Archivo mensual: abril 2013

El Día del Libro y los cuentos de postal o postales de cuento

Hoy es una fecha especial, es el Día del Libro.

Cada 23 de abril donde yo vivo las calles destilan el perfume de las rosas y se visten con mantos de libros. Todos sabemos que la primavera empieza el 21 de marzo, pero a mi modo de ver cuando la primavera estalla de verdad es el 23 de abril.

Por eso, en el trapecio de tinta hoy estamos de celebración. Nos unimos a la fiesta de la lectura y editamos nuestra primera postal de cuento. Y como no podía ser de otro modo, ¡hay príncipe, dragón y princesa!… aunque con final sorpresa. Una postal digital, como los tiempos exigen, pero además diseñada para recuperar la tinta líquida y escribir al dorso, para volver a sentir lo que es echar una postal al buzón. Ya os lo dije, es una postal de cuento.

Ha sido un lujo haber unido para la ocasión a dos talentos artísticos: la escritora y poeta Isabela Méndez y el dibujante especialista en ilustrar microrrelatos Juan Luis López Anaya. Desde aquí mi agradecimiento a ambos, pues les propuse una osada pirueta y aceptaron llevarla a cabo incluso sin red.

Os animo a daros una vuelta por sus blogs: Del vientre de un tintero, de Isabela Méndez y un espacio de Ilustraciones para un loco, de Juan Luis López Anaya. Que disfrutéis de la visita, sé que os va a encantar lo que allí descubriréis.

¡Feliz Día del Libro! – Feliç St. Jordi!

DESCARGA GRATIS

cuento 1. Princesas Audaces_cara


Título de la postal: “Pienso, fuego existo”
© Del cuento: Isabela Méndez
© De la ilustración: Juan Luis López Anaya
Técnica: acuarela con tinta china 

 


Equilibrios de arte poética con Leo Lobos (3): El descubrimiento de los libros

Mañana 23 de abril se celebra el Día Mundial del Libro. Una fiesta especialmente significativa para los amantes de la lectura y los autores. Un día, una cita especial para ambos

Siempre he sentido curiosidad por saber cómo descubren los escritores el lenguaje, qué significa para ellos la lectura, cuáles son sus libros de cabecera… Por eso, una jornada como la que se celebra mañana era la ocasión perfecta para hacerle llegar estas preguntas a un poeta, en este caso al chileno Leo Lobos (colaborador de este blog).

Leo, ¿qué fue lo que descubriste en las palabras, en la lectura?

LECTURAS Y EL ENCANTAMIENTO DEL UNIVERSO POÉTICO por Leo Lobos

 

Creo que al leer uno se descubre como alguien que pretende descubrir la vida que ilumina la palabra

Leo Lobos 

color santo

Arte: COLOR SANTO
Autor: Leo Lobos (2010)
Técnica: Dibujo, tinta china y pastel sobre papel

He sido un lector incansable desde mi infancia. El libro, los libros de ciencia ficción, aventura, biografías, historia, arte, ciencia, novelas y poesía son fundamentales en la formación del escritor cachorro. En el Liceo leí tres libros claves para entender el mundo de ayer y hoy, que recomiendo leer a todos sin duda alguna: Un Mundo Feliz de Aldous Huxley, Fahrenheit 451 de Ray Brandbury y 1984 de George Orwell.

Mi encuentro con “escritores vivos” se produjo en la Universidad, a la que ingresé cuando tenía 17 años a comienzos de 1980. He tenido entre mis compañeros de carrera y entrañables amigos, hasta el día de hoy, a los poetas Mario García y Sergio Ojeda. Con ellos fuimos activos participes de los encuentros culturales realizados en la Universidad de La Serena en aquellos años, con los poetas Aristóteles España y Raúl Zurita; y encuentros académicos e informales con poetas como Braulio Arenas, Eduardo Llanos y Arturo Volantines. Desde muy niño he sido un lector perseverante, y desde la lectura a la escritura todo ha ido de manera natural, como del dibujo a la pintura, como de la palabra hablada a la escrita, desde el castellano a un idioma extranjero y desde ahí nuevamente a mi propia lengua.

Entre mis autores podría mencionar a los poetas chilenos Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Gonzalo Rojas, Enrique Lihn, Nicanor Parra, Jorge Teillier, Eduardo Anguita y poetas cercanos a quienes leo y con quienes dialogo como por ejemplo José María Memet, Francisco Véjar y Milagro Haack. Entre los autores extranjeros que me han influido podría mencionar al poeta venezolano Rafael Cadenas, al mexicano Octavio Paz, al poeta francés René Char, a los brasileños Ferreira Gullar, Ledo Ivo, Roberto Piva, Tanussi Cardoso, Hilda Hilst y Décio Pignatari. La música y la pintura de creadores a quienes siento muy cercanos y que me han influido poderosamente como: Joan Miró, Roberto Matta, Miquel Barceló y Antoni Tápies. A los músicos Bach, Mozart, The Beatles, Tom Jobim y João Gilberto y su maravillosa música que me acompaña.

Creo que al leer uno se descubre como  alguien que pretende descubrir la vida que ilumina la palabra. El poeta Vinicius de Moraes decía que no debemos hacer “ninguna concesión a la poesía no vivida”. Pues “la poesía es subversión del cuerpo”, nos dice el mexicano Octavio Paz. Goethe decía: “los poemas que nacen de la nada no me interesan”. “Entonces un buen poema para mí es aquel que logra iluminar la vida vía verbo”, dice el poeta brasileño Roberto Piva.

UN RECUERDO PARA DOS POETAS, DE OTRO POETA

JORGE TEILLIER

Jorge Teillier y Leo Lobos

Leo Lobos con el poeta chileno Jorge Teillier (a la izquierda de la foto)
(La última fotografía tomada al poeta antes de morir, en el año 1996).
Fotografía cedida por Leo Lobos

La poesía de Jorge Teillier (Lautaro, Chile 1935 – Viña del Mar, Chile 1996) descansa en principio en la tradición de la representación lárica (poesía del lar, del origen, de la frontera), aunque su obra trasciende el rótulo del arraigo lárico cuyos antecedentes se encuentran en Chile en Efraín Barquero y Rolando Cárdenas. Sus poemas arrancan del recuerdo ingenuo y la nostalgia con una cierta esperanza de asir el paraíso perdido, el cual paulatinamente se desintegra y se convierte en pura imagen soñada. El poeta se inició a los 12 años en la escritura, bebiendo las aguas de los libros de aventuras, Panait Istrati, Knut Hamsun, Julio Veme y los cuentos de hadas. Posteriormente se alimenta de los poetas del modernismo hispanoamericano, de Vicente Huidobro y de la tradición universal de Jorge Manrique, Rainer María Rilke y Francois Villon. Se le vincula también con Höderlin y Trakl. Para él, lo importante en la poesía no es lo estético, sino la creación del mito y de un espacio o tiempo que trasciendan lo cotidiano, utilizando lo cotidiano. El poeta no debe significar sino ser. Postula un tiempo de arraigo frente a la generación de los años 50, que postulaba el éxodo hacia las ciudades.

 

NICANOR PARRA SANDOVAL

Leo Lobos - Nicanor Parra - Jaime Celedón (1)

De izquierda a derecha:
Leo Lobos, el antipoeta Nicanor Parra y el actor Jaime Celedón.
Fotografía cedida por Leo Lobos

Algunos aspectos de la poesía del chileno Nicanor Parra Sandoval (n. 1914 en San Fabián de Alico, cerca de Chillán, Chile) no son ajenos al medio cultural de su infancia y adolescencia. Fuera de cortos períodos vividos en Santiago, Lautaro y Ancud, los años fundamentales tienen como escenario los suburbios de la ciudad de Chillán y lugares próximos, zona, en el centro del país, de donde eran sus padres. El padre fue profesor primario y músico; la madre, de origen campesino, tenía también aficiones musicales y solía cantar canciones del folclore. Junto a numerosos hermanos, Violeta Parra entre ellos, constituían una familia de clase media provinciana, sometida a la incertidumbre de una crónica precariedad económica y de continuos cambios de residencia, causados por los traslados, cesantías (en la época de la dictadura del general Carlos Ibáñez) y la personalidad desaprensiva y errática del padre, un bohemio incurable. Para los hijos, la certeza era la madre: poder de convergencia, cohesión y estabilidad desde el punto de vista del orden de las relaciones humanas. Si bien eran receptivos a los mensajes de la cultura popular urbana, transmitidos por la radio, la victrola, los circos ambulantes, estaban regidos por patrones formativos de los que era portadora directa la madre, es decir, los de la cultura tradicional, solidaria de una conciencia no agredida todavía por los agentes de la alienación moderna, y abiertos a la vitalidad del lenguaje campesino, a su sabiduría, a sus variadas formas poéticas (letras de canciones, refranes, juegos infantiles).

Parra explotará, dentro del contexto de su poesía posterior, la vitalidad y las posibilidades expresivas del lenguaje de la infancia. Y a esa conciencia determinada por los valores y concepciones de la cultura tradicional, esencialmente integradora, habría que verla como un presupuesto biográfico de la intensidad angustiosa con que percibirá, cuando viaje por primera vez a Estados Unidos e Inglaterra, la condición fragmentaria, disolvente de todo sentimiento de unidad, de la vida y la cultura cotidianas en los espacios urbanos del mundo contemporáneo.

UN POEMA DE LEO LOBOS

«Sonidos cazadores»

«Lo contrario de escuchar es oír«.

René Char

Al artista chileno Jorge Cerezo.

Somos luciérnagas en la hendidura del día

el sonido del mar y sus olas danzantes

pasos, timbres, silbidos, voces, el grito y el estruendo

Somos linternas aquí

La Alameda es una tarde de aquellas

No dejes que el paisaje este triste

deja al paisaje florecer en tu mirada

respira en la transparencia del aire y llena tus pulmones

siente a tu corazón bombear esperanza a tus venas

piensa y deja a tus ideas brotar desordenadas

en armonía con el caos que nos circunda

sé la danza de las capitales

en la danza del mundo

sé el estelar de los astros

respira y canta

Lectura en voz alta: “Sonidos Cazadores” de Leo Lobos, por él mismo.


Conversación con la artista irlandesa Emily McCullagh: Cuando la naturaleza revela un secreto al artista

«La buena poesía hace que el universo revele un secreto«

Hafiz

Un círculo agreste, un espacio vacío en el que yace tumbada una mujer, y la naturaleza alrededor. Solamente eso.

ozone


Título de la obra: Ozone
Autora: Emily McCullagh

Esta imagen me pareció sencillamente sublime, poética. En el descanso, en ese espacio vacío, en el silencio se gesta todo, así es como nace el arte, del vacío.

Arte y naturaleza, vacío y creación. Estos conceptos vinieron a mi mente con insistencia cuando una amiga me envió esta foto de “Ozone”como se llama esta obra de la artista irlandesa Emily McCullagh.

No es mi intención hablar ahora y aquí sobre la significación del “vacío” en las obras de arte, hacerlo resultaría poco menos que pretencioso. Pero no puedo evitar que me atraiga el concepto, que me provoque mil preguntas. El vacío está presente también en las manifestaciones artísticas inmateriales, como la música. ¿Qué es sino el espacio entre dos notas?…

Pensé cuánto me gustaría que la propia Emily me explicase qué es para ella el vacío y la creación.

Gracias a la colaboración de mi amiga Ángeles Martínez esta conversación con la artista Emily McCullagh ha sido posible, ella consiguió contactar con Emily y obtuvo las respuestas a mis preguntas.

¡Gracias, Ángeles, por aceptar ejercer de intermediaria y de periodista en la distancia!

COMO COLOFÓN A LA SEMANA DE LA CREATIVIDAD 2013:

CONVERSACIÓN CON EMILY McCULLAGH, UNA ARTISTA PLÁSTICA Y ESCULTÓRICA QUE DESARROLLA PARTE DE SU TRABAJO ARTÍSTICO EN EL CAMPO DEL ARTE COMUNITARIO, LA ARTETERAPIA Y LA INCLUSIÓN SOCIAL

Unimos treinta radios y lo llamamos rueda;

pero es en el espacio vacío donde reside la

utilidad de la rueda.

Moldeamos arcilla para hacer un jarro;

pero es en el espacio vacío

donde reside la utilidad del jarro.

Abrimos puertas y ventanas cuando construimos una casa;

son estos espacios vacíos

los que permiten utilizar la casa.

Por lo tanto, igual que aprovechamos lo que es,

deberíamos reconocer la utilidad de lo que no es. 

(Lao-tse, Tao Te Ching, XI)

Del libro de Luis RacioneroTextos de estética taoísta (Alianza Ed.)

Emily, ¿qué es para ti la creación?

A nivel personal la creación para mí es dejar que la vida se geste y se respire por mi cuerpo, la respuesta a todo lo que uno es y sueña con ser, la forma de conectar con todos los niveles de existencia que se perciben a través de nuestra antena por lo intangible.

Ser y no ser, realidad e ilusión. Pintar el espacio es pintar el vacío. ¿De dónde surge esta obra de arte, Ozone, este círculo en mitad de la naturaleza? Se me antoja una experiencia estética en toda regla.

La realidad no tiene consenso y no hay una opinión única sobre lo que es real y lo que no lo es. Ya lo dijo Albert Einstein: “ Quien quiera erigirse como juez en el campo de la verdad y el conocimiento naufragará ante la risa de los dioses.”

Encuentro inspiración en el poeta y místico del siglo XIII Rumi, quién escribió líricamente sobre su amor por el vacío. Sus palabras todavía resuenan como verdades para mí en este momento, en el tercer milenio.

La obra Ozone salió del sitio donde nos encontrábamos, en un bosque cerca de Plymouth, al sur de Inglaterra.  Siempre conecto con lo ajeno cuando estoy en medio de la naturaleza. Parte de la visión del mundo celta es que uno puede caer en manos de las hadas (fairies) durante un paseo, a veces sin ni siquiera darse cuenta. Capas de realidades coexisten simultáneamente y todo está impregnado de lo etéreo. Quise construir un umbral en el camino que a modo de portal permitiese el paso a otras realidades.

¿Con qué materiales trabajas?

Soy un trotamundos incurable y a través de los años he experimentado con madera, vidrio, cerámicas, pinturas al oleo, acuarelas. Mi última fascinación es por la textura de los pasteles al oleo y del fieltro.

Dicen que para los músicos el mundo es esencialmente sonido y a través de sus obras nosotros no lo palpamos ni lo vemos, pero lo sentimos. Me pregunto  ¿qué es el mundo para tí? ¿Cómo lo ves? ¿De qué se compone? 

El mundo está lleno de las texturas de nuestros sueños y de la magnificencia de un espacio lleno de la mayor sinfonía que uno pueda concebir, repleta de sonido, espacio, color, tacto, energía y movimiento.  Dentro de cada átomo hay un 99% de vacío, por lo que de alguna manera lo que está por debajo de todo es silencio.

Al ver tus obras se me ocurre que la materia, lo orgánico, el tacto está muy presente. Percibo que tu arte no es un arte visual. ¿Tal vez por eso trabajas con discapacitados visuales? Háblame de tus talleres artísticos con estos grupos de reducida visión.  

Trabajar con discapacitados visuales fue todo un honor y una inspiración. Poder participar en su sentido táctil fue maravilloso, una educación para ver el mundo desde su perspectiva y entender los desafíos a los que tienen que enfrentarse día a día. El grupo no presentaba ceguera total por lo que su percepción de la realidad era más empañada y menos enfocada que la nuestra. Los colores eran importantes como puntos de referencia y de simplicidad. Trabajar con madera conlleva una meditación y una calma y el grupo me ayudó a desarrollar el sentido de lo que significa guiarte por el tacto para saber en qué momento una pieza está terminada, en vez de usar la vista.

EPÍLOGO:

En la línea de sus trabajos artísticos comunitarios, que implican la mejora social y la participación del público en la obra, y motivada por la posibilidad de usar el arte como terapia, Emily McCullagh trabaja actualmente en instituciones mentales en Dublín (a través de la disciplina de la arteterapia) con personas que tienen una enfermedad mental diagnosticada como la depresión o esquizofrenia. Su trabajo se desarrolla como un proceso y permite una introspección positiva para el paciente en un estado de calma y de tranquilidad gracias a la exploración artística que no tiene más finalidad que el reconfortar e involucrar a la persona, sin buscar cualidades estéticas ni emitir juicios de valor sobre el aspecto final de la obra.

Al mismo tiempo, Emily sigue estudiando sobre Arte y Psicoterapia en la Universidad.

Puedes encontrar a Emily McCullagh en su página web:

http://emilymccullaghart.wix.com/emilymccullagh


Creatividad resurrectiva: el renacimiento del género epistolar en la semana de la creatividad (7 de 7)

PIRUETA CREATIVA, por Irina Mishina y Tana Sanz

Tana Sanz:

Ja ja ja ja ¡Cómo somos! Siempre buscando la solución rápida y fácil… la pastillita. No es así como se alcanzan las metas. Yo defiendo el “inspirabajo”, el trabajo inspirado. Y asociado al trabajo va el sudor. El sudor para sacar adelante esas grandes ideas. Ya lo decía el inventor Thomas Alva Edison: “El genio es 1% inspiración y 99% transpiración”. Y algo debía saber de ello, pues consiguió patentar a lo largo de su vida nada más y nada menos que más de mil inventos.

Hay que estar dispuestos a trabajar y a sudar si queremos sacar adelante esa idea que tenemos y que se haga realidad, incluso a pasar noches en vela. Porque si no tenemos esa determinación la idea acabará olvidada o lo que es peor, muerta.

Sin embargo me parece que la suma de inspiración, trabajo, determinación y perseverancia no es suficiente para lograr el objetivo. Todos conocemos a personas con brillantes ideas, gente trabajadora, imaginativa y que persevera en el empeño, pero que “por lo que sea” no acaba nunca de alcanzar la meta. ¿Qué les pasa? ¿Qué es lo que falla?

Tal vez se pierden en el proceso de creación, como en un laberinto. Dando vueltas y más vueltas alrededor de la idea. Quizás lo que falla sea la gestión del proceso. Pero ¿cómo se gestiona un proceso de creación? ¿Cuáles son los pasos para avanzar y ejecutar esa idea? ¿Cómo hacemos para no entrar en el bucle, para no empezar a saltar de una idea a otra, para tal vez finalmente acabar volviendo a la idea inicial? 

pasos

Puede que nos falte un ingrediente más: la DISCIPLINA.

¿Y si unimos coraje, inspiración, trabajo y disciplina?…

¡Pongamos un poco de “corinstraplina”en nuestras vidas!

¿Por dónde empezamos?…

 

Posdata:

La Semana de Creatividad se ha acabado. Pero nuestra creatividad no. ¡Que las buenas ideas te acompañen cada día el resto de tu vida!


El cine de la imaginación, o como hacer posible otros mundos. Por Judith Vives

Una vez leí que en la vida nos vamos encontrando con personas que caminan con nosotros durante un tiempo, algunas que simplemente están a nuestro lado lo que dura un viaje en tren o un trayecto en metro y otras que se convierten en compañeros fieles de travesía. Pues bien, Judith es esa compañera de ruta que siempre te vas encontrando en diferentes puntos del sendero a lo largo de los años.

Hace tiempo que quiero que suba a este trapecio de tinta, sé que aquí se encontraría en su salsa, rodeada de proyectos creativos en movimiento y de mentes despiertas como la suya, pero los deseos tardan a veces en cumplirse.

Esta semana, con la excusa de la celebración de la Semana de la Creatividad (2013 World Creativity Innovation Week), supe que tenía el mejor anzuelo para que picara y me dijese: «SÍ».

Ojalá este artículo que le propuse escribir expresamente para ser publicado hoy aquí sea el inicio de una futura colaboración que se prolongue en el tiempo.

Judith Vives es un espíritu inquieto, mirad sino como se define en su perfil de Twitter: periodista, cinéfila, lectora, bloguera, culturalmente inquieta, curiosa en general y promotora de @llegimipiulem (una tertúlia literaria 2.0. donde se comparte la experiencia lectora de obras de la literatura catalana en Twitter); @hotelelectric (un alojamiento para iniciativas de promoción y difusión del cine y el audiovisual y desde donde se organizan proyecciones, cinefórums, cursos y espacios de debate); @cinemacatala (una plataforma 2.0 que difunde y reivindica el cine catalán) y @ilurocraft (porque Judith siempre está innovando y ha sido de las que se ha apuntado a hacer ganchillo, el nuevo yoga y una de las últimas tendencias urbanas). Queda demostrado de sobra que si hay una palabra que la defina esa es: «polifacética».

Ella sabe de mi pasión por el cine, igual que yo conozco la suya, por eso nada mejor que invitarla a escribir sobre el cine y la imaginación. Nadie mejor que ella para hacerlo. Os diré que Judith ejerce de crítica cinematográfica en diversos medios (La Butaca, Nuvol.com, Ciutat Oci, revista Valors) y que ha colaborado en la organitzación de la Muestra de Cine de Mataró y de diversos cinefórums de la comarca del Maresme (Barcelona), además de publicar sobre cine, cultura y comunicación en su blog personal (Espai Isidor) que inició ahora hace 10 años, en 2003.

Mi propuesta fue enviarle esta pregunta: ¿Es el cine uno de los territorios ideales para cultivar la fantasía y la imaginación?…

EN LA SEMANA DE LA CREATIVIDAD:

EL CINE DE LA IMAGINACIÓN, O COMO HACER POSIBLE OTROS MUNDOS, por JUDITH VIVES

Hace unos días recibí la propuesta de mi amiga Cayetana para participar en la Semana de la Creatividad que celebra en su blog TrapezideTana, un espacio sugerente donde perderse entre palabras, creación e ideas en movimiento. Me propuso un reto y acepté de inmediato. Cayetana me pidió que respondiera a esta pregunta: ¿Es el cine uno de los territorios ideales para cultivar la fantasía y la imaginación?

melies


Fotograma de una película de Georges Méliès

Mi respuesta, por supuesto, es un SÍ rotundo y en mayúsculas, pues desde luego no se me ocurre un campo mejor abonado que la pantalla de un cine para dar rienda suelta a la imaginación. Sé muy bien que me diréis que lo mismo se podría pensar de los libros, la música o la pintura. Pero nada mejor que el cine, el séptimo arte, para aglutinar todo lo mejor de todas las demás disciplinas artísticas: las palabras, la música, la imagen, la luz, el espacio, el movimiento y el silencio. Con estos pocos ingredientes y gran creatividad se puede hacer mucha magia y así ha sido desde 1895, año de su invención por los Hermanos Lumière. Desde sus primeros pasos como truco de feria hasta las millonarias producciones digitales del siglo XXI, el cine no ha dejado de ejercer como transmisor de fantásticas maravillas.

Estos días en Barcelona se puede visitar una recomendable exposición sobre Georges Méliès, uno de los grandes pioneros del séptimo arte y el creador, por así decirlo, de la línea imaginativa y fantástica de la narrativa cinematográfica. Los Lumière aplicaron su invento para documentar pequeños hechos de la realidad cotidiana, gestos de personas y paisajes de ciudades. Méliès dejó claro que el nuevo invento de los Lumière no iba a servir solo para captar el movimiento del mundo real, y que a través del pequeño objetivo había espacio también para convertir nuestros más grandes sueños —y alguna que otra pesadilla— en realidad. Porque nos gusta conocer el mundo que nos rodea, pero todavía nos gusta más imaginar otros mundos posibles; y el cine, con su magia, los ha hecho posibles.

En sus cien y pocos años de existencia, el cine se ha debatido entre la ensoñación de la fantasía y el compromiso con lo real. De la misma manera que a menudo se confronta el cine comercial asociado al glamour de Hollywood con el llamado “cine de autor” o “cine alternativo”. De las tensiones entre estos polos opuestos han ido surgiendo nuevos lenguajes, nuevos géneros y nuevos formatos con los que seguir dando rienda suelta a la imaginación, la de los creadores y la de nosotros, los espectadores, siempre dispuestos a disfrutar de una buena historia. Ya sean las viejas películas mudas de Charles Chaplin o el delirio digital de Matrix con el que el cine recibió al siglo XXI, el fin siempre es el mismo: encantarnos con una historia. Por eso no creo que se pueda establecer un único y definido territorio para la imaginación y la creatividad en el cine.

Kill Bill


Rodaje de «Kill Bill» de Quentin Tarantino

No me cabe la menor duda. El cine es un territorio universal, sin nacionalidad y sin fronteras, como lo es el propio terreno de la fantasía y la imaginación. Sin duda, igual de importantes han sido los géneros clásicos o las aportaciones que desde la misma industria de Hollywood hicieron directores como Steven Spielberg o George Lucas a finales de los setenta; como decisivas han sido también las obras surgidas desde la más radical independencia (pienso por ejemplo en el cine de vanguardias, en el underground de John Cassavetes), en el frescor de los nuevos cines europeos, o en las miradas propias de cinematografías lejanas, como la japonesa o la iraní. Igual de creativo me parece el ya consolidado cine de Quentin Tarantino, que bebe de un montón de fuentes con las que ha conseguido crear su propio lenguaje; como la apuesta de nuevos directores españoles como Carlos Vermut (os recomiendo Diamond Flash), que se mueve en el cine low-cost, sin presupuesto, pero lleno de grandes ideas e imaginación. No importa, pues ante una pantalla de cine los espectadores no cuentan los números, sino la magia, aquella capacidad única de hacer lo imposible, realidad.

diamond flash


Fotograma de «Diamond flash»
de Carlos Vermut


Creatividad resurrectiva: el renacimiento del género epistolar en la semana de la creatividad (6 de 7)

PIRUETA CREATIVA, por Irina Mishina y Tana Sanz

Montjuich magic

Montjuïc màgic
Fotografía: Irina Mishina

Irina Mishina (Ima Blumm):

¿Qué es inspiración? Llamamos a muchas cosas con esta palabra. Una inspiración podría ser un ejemplo que quiero seguir. Algo que me sugiere una idea de una solución para un reto en el que estoy trabajando. O un estado donde todo fluye, en el que las ideas y las soluciones vienen solas, en el cual estamos avanzando, queremos seguir haciéndolo y disfrutamos de ello. Lo que Csikszentmihalyi llama flow.

Picasso tenía razón. Hay muchos estudios que demuestran que la perseverancia es el factor principal del éxito de la mayoría de personas creativas que llegan a la eminencia. El mismo Csikszentmihalyi indica que una de las características del estado del flow es la adecuación de las habilidades al reto que se tiene entre manos. Es decir, el reto no tiene que ser demasiado fácil, porque esto es aburrido; pero necesitamos saber que somos capaces de hacerlo y tener todos los conocimientos y las habilidades adecuadas para la tarea. Sino lo que conseguimos es frustración. Y claro, para llegar a este equilibrio perfecto se requiere mucho pero que mucho trabajo. Pero vamos, que todos sabemos que con inspiración todo resulta mucho más fácil y divertido.

Vayamos a lo contrario. ¿Qué es la falta de inspiración? ¿Qué nos ocurre cuando no nos sentimos inspirados? Puede que no tengamos la respuesta, que no sepamos cómo llevar a cabo lo propuesto precisamente por la falta de habilidades y conocimientos adecuados. Pero muchas veces lo que nos ocurre es que nos sentimos bloqueados por nuestras propias exigencias. Estamos detenidos delante de la hoja en blanco porque queremos desde la primera palabra escribir una obra maestra, cuando nuestra “vocecita” (así llama un amigo a nuestro crítico interior) nos dice “esto no vale nada”. Necesitamos practicar la suspensión del juicio para ser capaces de salir de ahí, de ese bucle de pensamientos asesinos. Y esto de jugar por jugar, sin buscar razón o utilidad alguna, es el mejor ejercicio para ello. Así que ¡continuemos jugando!

Algunos posibles resultados de la combinación de “Inspiración” + “Trabajo”:

“Inspirajo”:  Una inspiración muy grande.

“Inspirabajo”:  Trabajo inspirado.

“Intrabación”: Trabajo preparatorio para entrar en el estado de inspiración; o no, mejor aún, implantación del estado de inspiración por medio de un chip intracerebral o una pastilla 😉

CONTINUARÁ…


Creatividad resurrectiva: el renacimiento del género epistolar en la semana de la creatividad (5 de 7)

PIRUETA CREATIVA, por Irina Mishina y Tana Sanz

Tana Sanz:

Sí, claro. Jugar es ejercitar la imaginación y si lo hacemos de una manera “corajante” lo más seguro es que nos sorprendamos a nosotros mismos con el resultado.  Jugar con las palabras es un excelente ejercicio para poner en forma nuestra imaginación.

Paul Arden en su libro Whatever you think think the opposite nos anima a que pensemos lo que pensemos, pensemos lo contrario. Nos anima a pensar que a veces los finales no lo son, que en realidad son nuevos principios; que una sinrazón es mejor que una razón, y que el riesgo es en realidad la seguridad. Dicho así, parece un discurso de locos, un argumento sin sentido, pero en esas aparentes “sandeces” se ocultan evidencias.

Del libro de Paul Arden

Paul Arden incita en su libro a no temer a las ideas absurdas, porque pueden ser las más brillantes. Alienta a que disfrutemos de los errores, a superarnos, pues acertar a la primera es aburrido. Lo realmente importante es el proceso, el camino.

Y yo me pregunto, ¿qué tiene que ver la inspiración en todo esto? ¿Para tener grandes ideas hay que estar inspirado? O como decía Picasso: “cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando”. Quizás lo único que necesitemos sea eso, perseverar en el intento, seguir “jugando”, con imaginación, siempre en compañía de la imaginación.

Porque, si no, ¿cómo se explican los grandes inventos?. Detrás de cualquier invención, detrás de la idea inicial que la motivó, seguramente no había certeza alguna de que se fuese a conseguir el resultado esperado. En cualquier caso, lo único que había para iniciar esa investigación era imaginación y curiosidad, ganas de averiguar, explorar, querer ir más allá, traspasar el límite y saltar de la zona de confort, y después horas y horas de perseverancia.

La parte excitante es solucionar el problema , no conocer la respuesta. Si el truco de magia se explica se pierde su magia” dice Paul Arden.

Tal vez la clave para empezar a ser más imaginativo y creativo está en salir más a menudo de nuestra zona de confort. Y en atrevernos a pensar lo contrario de lo que pensamos. En definitiva: en volver a jugar.

CONTINUARÁ…


THESE GLORY DAYS: el reto de narrar historias y de construir un proyecto de web documental

These Glory Days es un colectivo-productora que desde el esfuerzo y el tesón están poniendo en marcha un ambicioso proyecto, de “largo aliento” como ellos dicen. Un proyecto abierto, que justo está dando sus primeros pasos y que nace con vocación de permanencia en el tiempo, construido en tiempos de crisis y sin apenas apoyos, sustentado únicamente en la determinación de sus integrantes de querer contar historias a través de las cuales se puedan visibilizar o dar a conocer ciertos temas y hacerlo además a la manera como se lleva ya algunos años haciendo fuera.

These Glory Days y el reto del nuevo fotoperiodismo. Un proyecto innovador y de largo alcance, con múltiples historias en proceso de desarrollo, como puede verse en el portfolio en su web: theseglorydays.org

Desde el trapecio apoyamos a TGD e impulsamos sus proyectos.

CONVERSACIÓN CON EDGAR MELO (THESE GLORY DAYS) EN LA SEMANA DE LA CREATIVIDAD

Nuestro foco es la emoción, transmitir emociones y el interés que una realidad pueda suscitar en una gran masa crítica

Edgar Melo (TGD)

tgd_logo

Tana:

¿Qué es These Glory Days?

Edgar:

Somos un colectivo de fotoperiodistas de formación que sufre en sus propias carnes la crítica transformación o defunción de la fotografía y el fotoperiodismo tal y como se entendían hasta ahora. No llegamos ni a vivir su época dorada. Nos formamos como «Visual Storytellers» en una escuela de fotoperiodismo danesa, la Danish School of Media and Journalism, lo que caracteriza nuestro modo de hacer y somos “discípulos”, en cierta manera, del colectivo de fotoperiodistas danés Bombay Flying Club. Tenemos vocación de «productora» de «multimedia» o video documental, aunque con la imposible coyuntura económica actual y ayudas a los emprendedores nos quedamos en algún limbo a medio camino.

Tana:

¿Qué hacéis? Dímelo en una frase.

Edgar:

Realizamos webs documentales, micro historias documentales o largos proyectos que se enmarquen y se narren sobre ese soporte.

De momento nos gustaría seguir la senda de grandes proyectos de referencia en lo que a web documental se refiere (“Prison Valley”, por ejemplo, aunque nos acercamos más a «California is a place«), pero tendemos a producir sin apenas recursos lo cual lo complica bastante.

Tana:

¿Quiénes estáis detrás?

Edgar:

En principio, somos Anna Baeza, Edgar Melo y Bernat Camps, originariamente miembros fundadores del colectivo Piel de Foto, de la revista. Hace algunos meses iniciamos esta otra ruta. Pero dadas nuestras disponibilidades (nos encontramos repartidos entre Barcelona, Madrid y Londres) contamos con la colaboración de Nico Aguerre (La Rueda Films), con quien he realizado la mitad de mis proyectos hasta el momento y de Ari Giménez, que tiene una trayectoria similar a la nuestra y que colabora actualmente con nosotros.

Tana:

Háblame de vuestra primera web documental, “PRÓXIMA VISITA”,  un proyecto entorno a las enfermedades minoritarias, una cuestión de interés para el público general pero con escasa o nula cobertura en los medios. ¿De dónde surge la idea de crear un proyecto como “PRÓXIMA VISITA” y, lo más importante, la voluntad de ponerlo en marcha?

https://vimeo.com/51178986

Edgar:

La idea surge por casualidad. Como muchas otras historias que apuntamos cotidianamente, nos topamos con el tema pocos días antes del Día Mundial de las Enfermedades Raras hace un año. En este caso nos sorprendió la importancia y el peso que tenía a nivel global —un 10% de la población está afectada por alguna enfermedad rara, sin contar familiares y allegados—, y la poca atención que se le dedicaba a nivel social, político, documental. A diario se publican pequeñas noticias y hay muchos proyectos en marcha, pero quedan engullidos por la actualidad, mientras millones de personas, más de 3 millones en España (40 millones en Europa), no saben lo que tienen, no tienen diagnóstico, no tienen tratamiento, ni esperanza alguna de tenerlo nunca. Lo cual nos parece dramático.

Desde el inicio de TGD la idea ha sido producir este tipo de web documentales. Decidimos que este sería nuestro primer proyecto de «largo aliento». Descubrimos un universo que contar. Algo único incluso para el mundo sanitario. Con personas capaces de todo que pueden estar viviendo frente a nuestras narices. Donde muchas veces los médicos no tienen ninguna respuesta. Donde todavía los investigadores descubren por primera vez algo. Donde los pacientes y sus familiares tienen actitudes militantes y bastante heroicas ante la vida. Son miles de historias que se complementan y con pequeñas pinceladas construyen una realidad paralela e invisible que tenemos en la puerta de casa.

En los últimos tiempos hemos comenzado a trabajar con una antropóloga para que nos ayude a vislumbrar todos aquellos aspectos de ese universo que nos pueden haber pasado por alto.

Tana:

Dices que todo lo habéis puesto en marcha sin recursos ni apoyos. No se me ocurre ningún otro motor para hacerlo que la voluntad y la creatividad, el interés de provocar un cambio. Y todo eso a través de contar historias. Háblame de eso, de vuestra forma de contar historias, de lo que deseáis aportar, de cómo se cuentan en el siglo XXI.

Edgar:

Lo cierto es que somos aprendices de documentalistas. Cada historia es una aventura y un campo de aprendizaje. Nuestro propio máster documental. Estamos intentando simplemente producir proyectos tal y como se lleva ya algunos años haciendo fuera. Fundamentalmente la Canadian Film Board o Canal Arte en Francia han realizado proyectos de web documental interactiva increíbles. Nuestro deseo es acercarnos. Aunque carecemos de sus presupuestos —hablamos de unos 400 mil euros por proyecto— y de sus medios. Incluso desde el principio prescindimos de la idea de interactividad con una finalidad narrativa ya que no disponíamos de medios técnicos. Pero fuera de lo espectacular, me pregunto si está aportando realmente algo a la hora de contar una historia y si al público en general le interesa.

No sé cómo se contarán historias en el siglo XXI. Nuestro foco es la emoción, transmitir emociones, y el interés que una realidad pueda suscitar en una gran masa crítica.

Tana:

Además de talento creativo para hacer algo como lo que lleváis a cabo hace falta un entorno colaborativo. Intuyo que esa palabra, “colaboración”, es esencial para alcanzar el objetivo que os habéis propuesto. ¿Cómo entiende These Glory Days el desarrollo de la creatividad en un entorno colaborativo?

Edgar:

En este caso hablo por mí. Honestamente son conceptos que ni siquiera me planteo. La creatividad y el espíritu colaborativo son fantásticos pero sin fondos o financiación son finitos, caducos. Al menos yo no me veo cómodo pidiendo colaboraciones para proyectos personales hasta el fin de los tiempos. Desde luego sin la unión de fuerzas «Próxima Visita» no habría visto la luz. Pero la tendencia es la de convertirnos en hombres orquesta. En hacerlo todo o casi todo de forma solitaria muchas veces —venimos de la fotografía. Independientemente de lo técnico creo que es fundamental que cada uno intente desarrollar sus propias ideas. Nos apoyaremos mutuamente y nos sacaremos de apuros en ocasiones para que cada uno pueda desarrollar precisamente esa creatividad, materializar sus propias ideas.  Lo contrario me parece insostenible.

Tana:

¿Qué lugar ocupa lo cultural, lo artístico y lo social en These Glory Days?

Edgar:

Lo cultural está en todo. En nuestra mirada y en los fenómenos a los que la dirigimos. En como interpretamos ciertas situaciones y en lo que queremos enfatizar. Incluso en lo que obviamos y en lo evidente, de lo que cada vez intentamos prescindir más. Si por lo de «artístico» se entiende el afán de contar cosas, de experimentar y participar de ciertas realidades a través de una cierta pulsión estética, «lo artístico» ocupa algún lugar. Pero, honestamente, no nos interesa lo más mínimo. Creemos más en la función social o en lo que pueda aportar nuestro trabajo para visibilizar o dar a conocer ciertos temas. En lo concreto, que el protagonista de una historia me llame emocionado después de verse o que se emocione por igual cualquier desconocido y empatice con sus protagonistas.

Tana:

Un deseo por cumplir:

Edgar:

Que podamos financiar este y otros proyectos similares / Volver a la fotografía más pura (en realidad son dos y bien diferentes).

NOTA:

Para sumar apoyos al proyecto: info@theseglorydays.org

Sigue el proyecto en Twitter y FaceBook:

@TheseGloryDays  –  https://www.facebook.com/TGloryDays

 


Creatividad resurrectiva: el renacimiento del género epistolar en la semana de la creatividad (4 de 7)

PIRUETA CREATIVA, por Irina Mishina y Tana Sanz

contraposición

CONTRAPOSICIÓN

Irina Mishina (Ima Blumm):

Csikszentmihalyi dice que el desarrollo de la humanidad está basado en dos instintos básicos. La conformidad es lo que nos ha permitido sobrevivir. Pero es la imaginación, la creatividad, la capacidad de romper el status quo y salir fuera de los marcos establecidos o de ignorarlos por completo, lo que nos ha permitido a evolucionar. Csikszentmihalyi afirma que esta evolución ha sido posible porque unos miembros de la sociedad acogen y protegen a otros capaces de entrar en este proceso de experimentación sin garantía alguna de resultado útil, a través de romper las reglas, jugar, fantasear. Es esta simbiosis entre conformidad y creatividad lo que fomenta la posibilidad de grandes descubrimientos. Pero a mí no me parece que esta simbiosis ocurra realmente, con la excepción de algunos casos bastante raros. En mi percepción del mundo la creatividad humana sobrevive a pesar del funcionamiento prevaleciente de nuestra sociedad: la conformidad. Y muchas veces lo hace a costa de la marginalización, el riesgo de ser ridiculizado, excluido, incomprendido, y sí, incluso de caer en la pobreza (preguntadlo sino a aquellos que gritan en cada esquina que las ideas sin implementación no valen nada, ellos os lo confirmarán: muchas veces los primeros en algo no son quienes sacan el máximo beneficio de la novedad, preguntadlo sino a Steve Jobs).

Por eso cuesta tanto crear nuevas palabras tan solo por el puro placer de hacerlo. Este tipo de comportamiento no es bienvenido en nuestro mundo. No es que nuestro músculo de la imaginación esté en baja forma, está simplemente machacado y totalmente reprimido. Porque… si no nos aporta ningún resultado útil, ¿de qué nos sirve? Nos falta creapatía: afecto por la creatividad humana. Nos hace falta para que podamos ampliar nuestra zona de confort y que la próxima vez que sí necesitemos nuestra creatividad para poder hallar un resultado útil tengamos nuestro músculo creativo en plena forma.

Es fácil. Cojamos dos palabras al azar, por ejemplo de nuestra propia conversación. Digamos “coraje” y “palabras”. ¿Qué podríamos obtener si las combinamos?

«Palabraje”: Un discurso emocional y agitado que tiene la finalidad de ocultar el miedo y la inseguridad del que habla para aparentar más coraje y autoconfianza.

Coralaje”: El coraje solo en palabras

Colabras”:¿Las palabras del corazón? ¿O los secretos ocultos del corazón que aún no han llegado a formarse en palabras?

¿Y si creamos verbos? ¿Qué significarían estas palabras: “corajear”, “palabrar” “corpalar”? ¿Y los adjetivos: “corajante”, “palabrante”, “palacorante”?

Escuchemos a Mihaly Czikszentmihalyi, en una charla en la que se pregunta: «¿Qué hace a la vida digna de ser vivida?»

CONTINUARÁ…


La importancia de recuperar la curiosidad. Conversación con Katrina Rodriguez en la semana de la creatividad

Conocí a Katrina Rodriguez, actual directora de Centro Trinidad, en el ámbito laboral. Por un tiempo ambas trabajamos juntas en una consultoría de alta dirección, y allí comprobé que compartíamos una misma manera de trabajar: colaborativa. Más tarde, volvimos a coincidir, pero esta vez desarrollando proyectos liderados por ella. Y tuvimos nuevamente la oportunidad de pasar largas jornadas de trabajo juntas, en lo bueno y en lo malo, y, como es habitual en nosotras, con interminables conversaciones acerca de la gestión de equipos, la motivación en el entorno laboral y sobre todo lo que pueden aportar todas las personas a su trabajo. Esas conversaciones nunca tenían fin, como sé que tampoco lo tendrá la que vamos a tener aquí ahora.

Pensé que esta semana, dedicada a celebrar la creatividad, era el momento oportuno para proponerle conversar una vez más acerca de todo ello, pero esta vez sería desde un espacio diferente, al que nunca antes ella había subido. Y aquí estamos, subidas a la barra del trapecio de mi blog, dispuestas a tener una charla y tomando un té aromático virtual (que sepáis que el té es parte indispensable de nuestro ritual creativo laboral).

CONVERSACIÓN CON KATRINA RODRIGUEZ EN TORNO A LA CREATIVIDAD EN EL ÁMBITO DE LOS RECURSOS HUMANOS

curiosidad rana

 

Tana:

Katrina, leemos y estamos cansados de escuchar que lo más importante de las empresas es el «capital humano», o lo que es lo mismo: las personas. Y también sabemos que las personas no cambian de empleo, de lo que cambian es de jefe. Tal vez la monotonía, el aburrimiento, el estancamiento en la manera poco creativa de hacer las cosas tenga mucho que ver en ello. Y con frecuencia me pregunto si los directores de Recursos Humanos y los jefes en general están preparados para saber gestionar adecuadamente la creatividad de las personas a su cargo.

En paralelo, he observado que en los últimos tiempos una palabra, un verbo, ha ido escalando posiciones hasta situarse en la cima de las palabras más utilizadas en el ámbito de los negocios y del desarrollo profesional: REINVENTARSE.

Dime, ¿se prepara en las escuelas de negocios a los líderes para que tengan en cuenta la creatividad de sus equipos y para reinventarse? Quiero que me hables de algo absolutamente esencial en el trabajo, algo que es extremadamente frágil: la confianza. ¿Qué lugar ocupa la confianza en el desarrollo de la creatividad en un equipo de trabajo?

Katrina:

Desde el punto de vista teórico, podríamos decir que ¡sí! Que las escuelas de negocios nos  preparan para tener en cuenta la creatividad de los equipos.

Ahora, sí que es verdad que la realidad supera la ficción. Una vez que estás sumergido en el ámbito laboral, rodeado de presiones, retos, miradas, muchas veces olvidamos las teorías y nos encontramos en la situación de tener que “apagar fuegos”. Ante ello, los directivos suelen olvidar una de las palabras clave que abren la puerta a la creatividad de sus equipos: “LA CONFIANZA”. Confiar en las personas de tu equipo, dejarles un espacio para que decidan, aporten valor, den sus ideas y sientan que sus opiniones están siendo consideradas. Delegar es unas de las claves para fomentar la creatividad y generar motivación en los equipos.

Tana:

¿Qué relación guarda la “confianza” con la “libertad”?

Katrina:

¿La libertad de pensamiento? ¿La libertad de acción? ¿La libertad de expresar emociones?

Son todos conceptos asociados a la confianza. Una confianza valorada por doble vía. Por un lado, el líder debe generar un contexto apropiado para que el grupo sienta esa confianza, esa libertad de expresión. De lo contrario, no se atreverían a aportar su visión.

Y, por otro lado, la confianza que tiene que sentir el líder en delegar al grupo libertad de actuación. Este punto suele ser uno de los más difíciles de abordar ya que soltar el control de la situación sabiendo que la responsabilidad sigue siendo tuya, requiere de una seguridad y autoconfianza por parte del líder que se desarrolla con la experiencia y la actitud personal.

La clave para que funcione la libertad de expresión es que estén muy bien definidos los objetivos y reglas de juego, así como los roles y responsabilidades de cada uno.

ruedas

Tana:

Escuchamos que la creatividad va de la mano de la innovación, que la primera es el motor de la segunda. Y como decía Einstein, en unas palabras suyas ya míticas: «Si buscas resultados distintos no hagas siempre lo mismo«. Entonces, si es tan evidente, ¿qué es lo que hace que las organizaciones y los equipos permanezcan estancados en hacer siempre las cosas de la misma manera, escudándose simplemente en la frase «es que siempre se ha hecho así»? ¿No será que detrás de esa falta de fomento de la creatividad se esconde el miedo al cambio? ¿Estamos preparados todos, directivos y equipos, para el cambio? ¿Estamos abiertos a trabajar de modo más creativo, más colaborativo? ¿Qué papel juega la colaboración?

einstein frase

Katrina:

Sí que estamos preparados para trabajar de modo más creativo, Quizás nos esté faltando una estrategia, un plan de actuación para llevarlo a cabo.

La única forma de poder obtener resultados diferentes, como bien decía Einstein, es haciendo/pensando/diciendo cosas diferentes. Pero aquí muchos podrían decir: “OK, ¿y cómo lo hago?”

Entonces, voy a sugerirte las claves, bajo mi punto de vista y experiencia en liderazgo de grupos para lograr resultados diferentes:

1. Diagnóstico. Reflexionar, cuestionarte. ¿Quiénes somos, hacia dónde vamos y hacia dónde queremos ir? La primera clave es preguntarnos si lo que estamos recibiendo es lo que queremos recibir. Y esta clave la podemos trasponer a cualquier ámbito de la vida. ¿Estoy contento/a con los resultados que estoy obteniendo? ¿Es esto lo que quería conseguir? ¿Es este el camino que quiero seguir haciendo? ¿Cuál es el escenario actual? ¿Quiénes nos acompañan? Qué valores están presentes en nuestros equipos?

2. Plan de acción. Una vez que tenemos el diagnóstico, como un médico, vamos a poder dar la receta apropiada para prevenir o sanar alguna de las posibles enfermedades de la empresa, equipos, profesionales. Para ello vamos a tener que definir un plan de acción. Un plan que tenga en cuenta el objetivo a largo, medio y corto plazo y todas las acciones que nos van a facilitar el logro. Para hacer un plan efectivo, es imprescindible definir acciones del plano mental, físico, emocional y transpersonal.

Algunos ejemplos de acciones:

Plano mental: afirmaciones que conviertan los miedos en motivaciones: “Confío en mi potencial y agradezco la oportunidad de manifestarlo”

Plano emocional: para sentirme alegre, antes de ir a una reunión miro un video que me conecta con la alegría y las ganas de triunfar.

Plano físico: antes de contestar lo que pienso, hago una respiración profunda.

Plano transpersonal: estoy consciente de la percepción que recibo del grupo cuando estoy explicando el proyecto y analizo las señales que se van manifestando en el entorno.

3. Seguimiento de compromisos hasta convertirlos en hábitos. La única forma efectiva de que el plan funcione, es que la constancia, repetición, disciplina genere un hábito. Un hábito mental primero, para que luego pueda convertirse en un hábito de conductas. Primer paso: repetir al menos 21 veces seguidas durante 21 días el nuevo comportamiento junto a una afirmación (pensamiento).

equipo manos

La colaboración. Si hablamos de liderazgo colaborativo, estamos ante la presencia de un equipo de trabajo. Y para que exista un equipo, primero es necesario crear grupos. Y para crear grupos, es imprescindible la comunicación, la interacción, la COLABORACIÓN.

Por lo tanto, un líder efectivo tendría muy claro el objetivo a seguir, lo comunicaría al grupo, adjudicaría roles y dejaría que otros roles se asuman de forma natural por el mismo grupo. Plantearía el “¿qué hay que hacer?” y daría libertad para que el grupo decida el “¿cómo?” Y que entre todos logren el resultado esperado. Un verdadero equipo es aquel que al sumar las aportaciones de cada participante alcanza un resultado por encima de lo que alcanzaría cada uno de forma individual. Aunque un integrante aporte un 10% y el resto un 90%.

Tana:

Dime tres conceptos clave que en tu opinión deben incorporar los líderes en el modo de dirigir a sus equipos. Tres conceptos que les sirvan para reinventarse como líderes.

Katrina:

1. Trabajar en su desarrollo personal. Clave para ser un líder. Siendo líder de ti mismo podrás liderar con éxito tu entorno.

2. Aprender técnicas y herramientas que agudicen su percepción energética para potenciar la visión proactiva de las emociones y situaciones conflictivas.

3. Ver en el grupo un espejo de sí mismo. Preguntarse y reflexionar qué está aprendiendo de ellos.

Tana:

Ahora, dime tres conceptos clave que en tu opinión deben incorporar los equipos en el modo de llevar a cabo sus funciones. Tres conceptos que les sirvan para reinventarse como trabajadores.

Katrina:

1. Descubrir tu don, tu talento personal.

¿Cuál es el problema de la mayoría de las personas? Que no sabe qué es lo que le gusta, en qué es excelente. Entonces, al estar trabajando en un área, lugar, función que no es del 100% de agrado, la motivación, la creatividad no sale. Y esto es muy serio e importante. Lo primero que deberíamos hacer todos es preguntarnos: ¿En qué soy bueno/a? ¿Cuando era pequeño, qué decía que iba a ser? Cuando estudiaba, ¿cuál era la asignatura preferida? ¿Haciendo qué, desaparece el mundo de alrededor?. Si no tuviese que trabajar por dinero, qué estaría haciendo?

2. Hacer un DAFO personal. Un análisis de Debilidades, Amenazas, Fortalezas y Oportunidades en función de la situación actual y del talento personal.

Replantearse el trabajo, la profesión actual. Reflexionar si eso que estamos haciendo está alineado con el talento personal. Preguntarnos: ¿Cómo estamos hoy? ¿Qué necesitamos para expandir ese talento? ¿Quiénes me apoyan o dificultan esta expansión?

3. “Cambiar el chip”. Dejar de criticar, juzgar, justificarse y empezar a disfrutar y aprovechar al máximo lo que puedo “exprimir” de cada trabajo, persona, situación que experimente en la vida.

Tana:

Para finalizar, formula un deseo alcanzable.

Katrina:

Voy a compartir con vosotros la misión de uno de los proyectos que estoy moviendo ahora mismo:

El deseo es recuperar la curiosidad por el saber que subyace en cada experiencia de la vida cotidiana. La curiosidad por el saber es la motivación por aprender. La inquietud, el motor que te mueve, las ganas de investigar, experimentar.

¿Y cómo lo podemos lograr? Actuando, desempeñando un rol, viviendo una experiencia estamos frente a una oportunidad maravillosa: preguntarnos el para qué estamos viviendo/haciendo/sintiendo eso. Y al preguntarnos, generamos un movimiento en nuestra conciencia corporal, emocional, mental y transpersonal que trae como consecuencia un saber. Y al reflexionar sobre ese saber, estamos aprendiendo, ampliando nuestro mapa conceptual y vivencial de la realidad, estamos EVOLUCIONANDO.

Tana:

¿Sabes? Me quedo con curiosidad…