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Un viaje a la ternura de las pequeñas cosas: “ROS. MELÓGAMO MÍNIMO DE UN VIAJE”

“¿Qué seria de la vida, si no tuviéramos el valor de intentar algo nuevo?”

Vincent van Gogh

 

Una tarde de febrero de 2012 acudí al teatro a ver una función de títeres. Ha pasado poco más de un año y todavía la recuerdo. No sabría cómo definir en palabras lo que allí vi, solo sé que me cautivó por completo.

Aquella tarde descubrí el teatro gestual y de títeres, descubrí que hay marionetas que no tienen cuerpo ni hilos, que únicamente existen y tienen vida mientras están en el escenario, que después de la actuación se desvanecen para habitar solamente en nuestro recuerdo. Y es que estas marionetas de las que hablo, como Ros, pueden serlo solo gracias a las manos de sus titiriteros. Un guante blanco y una bola de madera, de eso está hecho Ros, el protagonista de este hermoso, tierno y duro cuento.

Salí tan asombrada aquel día del teatro que estos días, que he sabido que Ros volverá a vivir de nuevo en los escenarios, estoy de celebración. Desde que lo vi en 2012 han pasado muchas cosas, como por ejemplo que ahora edito un blog, un espacio desde el que impulso ideas y proyectos en movimiento, un lugar intangible y mágico, un trapecio de tinta que hoy se viste gala para mecer en él a Ros, a Lindes y a Ramón. Hoy, por fin, podré poner en sus manos la pregunta que desde aquella  tarde lleva dando vueltas en mi cabeza: ¿Cómo es posible que tan solo con la gestualidad de las manos se impregnen de tanta vida unos simples objetos y, lo más increíble de todo, que además resulten tan humanos?

Lo que sigue a continuación es una conversación acerca de la magia y la realidad con Ramón Pascual y Lindes Farrè, autores del espectáculo “Ros. melógamo mínimo de un viaje, una obra mínima en cuanto a formato, inmensa en cuanto a esencia y planteamiento.

¡Bienvenidos al trapecio y al teatro de ANGÉLICO MUSGO!

¡Empieza la función!

 Cartel_Ros

CONVERSACIÓN CON RAMÓN PASCUAL Y LINDES FARRÈ sobre teatro, títeres, melodías y silencios, sobre retales con los que es posible construir un universo.

“Ros es la historia de un pequeño viaje. De lo que queda y de lo que parte. De una maleta donde cabe lo imposible para desaparecer. El esfuerzo de un personaje por ubicarse. Un detalle tan mínimo como lo que realmente importa. Cuando todo parece perdido, cuando uno se siente solo y desconcertado, siempre hay una salida que te hace volar.”  Ramón Pascual

“En este mundo en el que todo pasa rápido, donde hasta las pausas las llenamos de obligaciones, donde a penas dedicamos tiempo a las pequeñas cosas, a los silencios, Ros es un regalo que nos permitirá escucharnos a nosotros mismos y sentir.” Lindes Farrè

Tana Sanz:

Con estas palabras de Ramón Pascual y de Lindes Farrè, coautores y directora de “Ros. Melógamo mínimo de un viaje” iniciamos esta conversación. Pues estamos aquí para hablar de una historia universal, la de un pequeño ser que un buen día coge su maletita y emprende el viaje. En esa maleta Ros lleva consigo sus decisiones, y hay cosas que quedaran atrás. Es la historia de un deseo y de una decisión, los de un personaje por hallar su lugar en el mundo, un mundo minúsculo pero no por ello menos tremendo, un universo hecho de retales en miniatura que tiende un puente con la realidad que lo observa desde el patio de butacas. Tal vez eso que llamamos realidad, la cuarta pared, sea su reflejo.

Sé que no me equivoco si os defino a los dos como a una pareja de imaginativos y comprometidos artistas a quienes mueve el deseo de contar historias que llenen de sentido este mundo de prisas y agitación en el que nos movemos a diario, historias como la de Ros, de la que vamos a hablar.

Dice un disco de Víctor Manuel y Ana Belén que “Para la ternura siempre hay tiempo”. Sin embargo vivimos en una paradoja, apenas tenemos tiempo para nada. Vivimos tiempos rápidos, donde la ternura se diluye en mil urgencias y en un océano de ruidos. Todo parece siempre más urgente e importante que hacer una pausa para detenernos y sentir. Y a mí se me ocurre que Ros lo que propone es justamente eso: un viaje a la ternura. Y que por eso resulta tan increíblemente humano, porque nos devuelve a la esencia de lo que somos: seres anhelantes de hallar nuestro lugar en el mundo.

¿Quién es Ros? ¿Dónde vive? ¿A dónde va? ¿Qué tienen en común el mundo de Ros y el nuestro?

Ros esperando el tren

Ros

Ramón Pascual:

Me resulta muy difícil definir quien es Ros porque, diga lo que diga, sé que siempre me voy a dejar algo. Para mi lo más importante es que Ros parte de un sentimiento, nació y fue creado de un sentimiento.  Para mi Ros es la parte tierna, frágil y a la vez valiente de mi mismo. Ros es como mirar dentro. Como personaje es una manera de enfrentarse a la vida, es una actitud ante la vida. Vive en el interior de uno mismo y camina hacia delante, viviendo el presente y superando sus propios obstáculos. Por tanto, ¿a dónde va? A cualquier lugar, a donde quiera, porque todos podemos caminar libremente hacia donde deseemos aunque nos parezca imposible, pero primero es necesario parar, escucharse y saber hacia dónde queremos ir o dónde, al menos, tenemos claro que no queremos estar. Tienes razón cuando dices que deja cosas atrás y lo hace para poder avanzar, en este mundo tan loco en el que vivimos, tan lleno de prisa Ros quiere aportar una pausa para poder escucharnos, escuchar al de al lado. Podríamos decir que Ros ha ido a parar a nuestro mundo e intenta darle la vuelta que es lo que nos gustaría que ocurriera, que la gente, igual que Ros, consiguiera  creer más en ella misma.

Tana Sanz:

El viaje de Ros comenzó en una pequeña sala de ensayos de Madrid, allí asomó al público por primera vez el 24 de enero de 2009. En aquel momento eran tres cuadros consecutivos de 25 minutos de duración, un espectáculo “mínimo”, apenas la semilla de lo que sería hoy, 4 años después. Pero decidme, ¿de dónde partió la idea del espectáculo? Está repleto de guiños al espectador, con lanzamientos de flecha continuos a su conciencia. ¿Cómo comenzó este viaje a la ternura? He leído que todo partió de un juego, que Ros nació de un pequeño experimento: un ejercicio de manipulación de una mano con una bola de madera. Habladme de todo ello.

Ramón Pascual:

Cuando se inició todo andaba yo sin tener muy claro lo que quería hacer pero con miles de ideas rondando por la cabeza y aficionado a la construcción de títeres. Casi como un juego, probando cosas, se unió la mano y la bola de madera a la que doté de una expresión de asombro, de aceptación, una mirada directa y una nariz de payaso. Su gesto me cautivó y ahí comencé a jugar, a pensar pequeñas acciones: subir una maceta a la repisa de una ventana (que en realidad siempre fue mucho más que eso), correr detrás de un tren que se pierde…  Yo sabía que, como espectáculo, había algo más detrás de estas acciones. Cuando Lindes vio a Ros dando sus primeros pasos sin saber muy bien hacia dónde caminaba, supo encontrar desde el primer momento el sentido y la dirección y desde entonces Ros siempre hemos sido dos: Lindes y Ramón. Es importante el juego que originó el personaje, el espectáculo, pero mucho más importante es que los dos supimos encontrarnos en ese juego y crear uno que nos unía.

En el teatro

Tana Sanz:

Cuando vi el espectáculo por primera vez tuve la sensación de estar ante mis juguetes, objetos diminutos con los que de niña pasaba horas enteras jugando a componer el mundo. En vuestro espectáculo está la vida cotidiana representada en simples objetos: sillas, bancos, flores, maletas, cortinas, ventanas, relojes, trenes y estaciones… Con trozos de objetos viejos y rotos creáis un universo, y lo más importante, un universo vivo. ¡Si es que hasta los focos de luz son latas de guisantes! ¿Qué supone para vosotros construir vuestro propio atrezzo, vuestra escenografía? Esto hay que explicárselo a los espectadores, que quizás no saben que esos objetos y todo el decorado está construido por vosotros mismos.

Ramón Pascual y Lindes Farrè:

Pues es el juego de niños del que tu hablas.  Es dedicarle a las cosas el tiempo que se merecen, todo lo que uno recupera o construye con dedicación y ternura tiene alma, deja de ser un simple objeto y es una reivindicación también, porque no necesitamos ni la mitad de las cosas que tenemos, consumimos, malgastamos y tiramos sin parar. Nosotros construimos reciclando y rescatando de la basura pequeñas joyas desechadas y nos pone muy tristes ver tantos paraguas abandonados en los días de lluvia.

Darle vida a los objetos entra dentro de un mundo mágico y nos permite distanciarnos como humanos aunque les estemos dando todas nuestras calidades, y logremos identificarnos o identificar a personas con ellos porque les hemos dotado de sentimientos. Y además el proceso de trabajo de todo el espectáculo, el participar de cada uno de los procesos de construcción, nos convierte en artesanos, como si habláramos de un oficio antiguo de esos que están desapareciendo frente a las nuevas tecnologías.

Ros y Ramón_empieza el viaje

Tana Sanz:

Habladme del teatro de manipulación objetos, de vuestras influencias. De la poesía visual.

Lindes Farrè:

Yo vengo del mundo de la educación social pero por el camino me dejé enamorar por el clown y más tarde por  los títeres y todo ello lo apliqué a la intervención educativa, aunque terminé apartándome del trabajo de educadora social. Siempre consciente o inconscientemente estamos educando y pienso que es responsabilidad de todos potenciar la libertad y creatividad en los niños, para que puedan ser adultos libres i creativos.

Ramón Pascual:

Yo estudié psicología, pero siempre he mirado al teatro y una vez acabada la carrera me dediqué a estudiar y trabajar en el teatro. Por motivos económicos, mi formación ha sido autodidacta y aunque muchas veces me he perdido por el recorrido he tenido la libertad de elegir y probar nuevos caminos. Eso me ocurrió con los títeres y los objetos: un día se cruzaron en mi camino y decidí seguirlos.

Cuando nos juntamos los dos, cada uno tenía una formación teatral suficientemente sólida como para aportarnos cosas el uno al otro y a partir de aquí empezamos a poner en práctica nuestra propia poesía de la vida en el teatro. Esencialmente es eso: contamos las cosas como las sentimos pero utilizando las herramientas de las que disponemos.

Tana Sanz:

En esta historia no hay apenas palabras, solo una se escucha todo el tiempo envuelta en diferentes melodías: el SILENCIO. ¿Qué intención tiene?

Ramón Pascual y Lindes Farrè:

”Las palabras se comen el cerebro”. A veces la palabra no es sinónimo ni de expresión ni de comunicación. Con este espectáculo hemos descubierto que transmitir emociones es algo que, al pasarlo por la palabra, censuramos y juzgamos; pero no sucede con las acciones, que nos dan más libertad, que se convierten en algo más autentico. Se expresa y se transmite mucho más sin las palabras porque todo está dicho en las miradas, en las pausas, en las acciones.

Tana Sanz:

En la obra hay una gramola y un piano, y se diría que la música es la coprotagonista. ¿Cómo seleccionasteis la música hasta crear esa magnífica banda sonora de un viaje?

Ramón Pascual y Lindes Farrè:

Bueno, la melodía de partida fue Sur le ciel de Paris de Édith Piaf. Y a raíz de esta fuimos creando toda la banda sonora. Más bien, fue Santiago González quien creo la música. Una vez que tuvimos claro ese aire parisino de calles por la noche, de acordeones y amor que flotaba, construimos el resto de la historia pensando en los ritmos y las melodías que nos sugerían las acciones que nos íbamos proponiendo. Así, una vez estructurada toda la historia, hablamos con Santi y pactamos la música. Nosotros confiamos plenamente en él, así que el pacto era algo más parecido a: “aquí, que la música se detenga y se quede todo en suspenso; aquí, que entre con fuerza y sea más pesada; aquí…” Y siempre sin olvidar la cadencia de Sur le ciel de Paris. Un día Santi apareció con una maqueta y nos dijo: “¿a ver qué os parece esto?” Acertó de pleno. Y creo que fue porque nos entendió, nos compartió y los tres sabíamos que la música en este espectáculo era uno de los protagonistas indiscutibles. ¡Imagina si la música es protagonista, que la cajita de música que va insertada en el piano, esa, vino directamente de las calles de París! porque la casualidad, el amor y un amigo se confabularon para traérnosla… Pero esa es otra historia.

Tana Sanz:

Pero Ros es algo más que un viaje, es una metáfora de lo que significa estar vivos: sentir. Asistimos junto a Ros a lo que es sentirse perdido, desubicado. Pasamos momentos de miedo, de incredulidad, en los que pensamos que está todo perdido, para recuperar la ilusión y sentir lo que significa asumir riesgos. Recuerdo especialmente el número de la cuerda floja y me pareció un símil de los tiempos que corren. Y es que en Ros también está presente el circo. ¿Por qué esa alusión al circo?

Ramón Pascual:

Me encanta esta pregunta,  Ros de repente se encuentra en un numero de clown, en un circo, ¿por qué? Porque es una de las cosas que nos hacen falta en este mundo, más risas, más humor. El clown, el payaso, es un ser maravilloso, esta hecho de ingenuidad, amor, ternura, sinceridad, no tiene sentido del ridículo, tiene una gran autoestima, no se juzga y vive el fracaso de un modo muy distinto a nosotros. Pero todos tenemos nuestro propio payaso, escondido dentro, a veces lo sacamos en privado, nuestro clown tiene mucho de nuestro niño interior al que un día empezamos a censurar y a esconder, pero ahí sigue y en el fondo ahora es más grande y más fuerte, sólo hay que dejarlo salir .

Tana Sanz:

Ramón, no sé si eres consciente de ello, pero verte en el escenario es lo más parecido a ver a un mago de guante blanco que tiene el mundo en sus manos. ¿Eres consciente de ese efecto, de la atmósfera que creas? ¿Quién eres cuando estás ahí detrás?

Ramón Pascual:

Creo que sí, soy consciente de que ese es el efecto que pretendemos. Gracias por haberlo notado. Cuando empieza el espectáculo, yo soy el que dice: “te voy a enseñar un mundo interior lleno de fantasía y de magia”. Es la puerta a todo ese mundo del que ya hemos hablado y es el amigo y compañero de Ros en los momentos más difíciles. Al principio el títere y el mago se afectaban bien poco, quizá porque la relación no estaba tan clara. Poco a poco el vinculo ha ido creciendo y los momentos de relación entre Ros y yo han ido aumentando; en realidad ahora tenemos claro que yo soy un mago, tal y como cita la canción inicial, a veces Ros necesita un poco de magia, una ayuda desde fuera para seguir adelante, el mundo está lleno de momentos mágicos.

ROS y su titiritero

El mago Ramón y Ros

Tana Sanz:

Ramón, en la función apenas intercambias unos gestos con Ros, solo vemos un tímido diálogo visual entre vosotros. ¿No os habéis planteado en ningún momento desarrollar más esa relación? ¿Cómo es percibida por el público?

Ramón Pascual:

Como ya te he dicho en la pregunta anterior, los momentos de relación han ido aumentando con el tiempo y siempre que orgánicamente surjan más posibilidades de relación las incluiremos, por supuesto, pero Ros es el auténtico protagonista de esta historia. A veces, en improvisaciones o nuevas representaciones salen nuevos guiños y más gestos de amistad entre Ros y el Mago, esos siempre los incorporamos. Además, el público siempre acoge esta relación de muy buena gana, es algo que arranca sonrisas.

Tana Sanz:

Desde sus inicios “Ros” ha ido cosechando éxitos dondequiera que se ha presentado. En 2010 “Ros” participó en el BE Festival de Birmingham (UK), donde obtuvo la mención especial del Jurado por ser “el espectáculo más mágico de todos los presentados a concurso”. Ahora desde la distancia, 3 años después, ¿qué ha supuesto para vosotros ese galardón? ¿Ha abierto puertas al espectáculo? ¿Se interesaron los programadores y las salas por “Ros”? ¿Hacia dónde camina el espectáculo en estos momentos?

mención_especial_ Be Festival

Ros en el Be Festival en 2010

Ramón Pascual y Lindes Farrè:

El Bee Festival fue para nosotros una bocanada de aire y de impulso motivador. Nos quedamos  sorprendidos de cómo Ros enamoró a todos y eso nos dio el impulso para terminar el espectáculo del que ya teníamos muchas ideas para trabajar. Al ser un espectáculo sin texto, nos da grandes posibilidades para promocionarlo en festivales internacionales y es esta en la dirección que por ahora estamos trabajando y la que mejores resultados nos ha dado. El tema de la distribución en salas está difícil por la situación económica que vivimos (¡qué te voy a contar!). Actualmente tenemos en octubre funciones en Grecia y estamos terminando de cerrar funciones para la Red de Teatros Alternativos de España.

Tana Sanz:

Un deseo para “Ros”:

Ramón Pascual y Lindes Farrè:

Que pueda seguir volando sin duda mientras el espectáculo esté vivo y que podamos acompañarle, nosotros dos y nuestro pequeño Nil.

Tana Sanz:

Una última curiosidad: ¿Qué significa “Angélico Musgo”?

Ramón Pascual:

Bueno, cuando era un adolescente no me gustaba mucho el fútbol y era bastante solitario. Me dedicaba a escribir historias que enviaba a certámenes literarios. Para presentar estos cuentos y relatos me inventé un alter-ego, algo así como Clark Kent a Superman, Peter Parker a Spiderman… Yo me inventé a Angélico Musgo. Luego, con el tiempo, la idea de poner a una compañía el nombre de una persona nos pareció interesante y salió a relucir el alter-ego de la adolescencia.

Tana Sanz:

¿Algo más que queráis añadir?

Ramón Pascual y Lindes Farrè:

Sólo darte las gracias por tu entrevista y por tu interés. Y por seguirnos y venir a vernos actuar.

Tana Sanz:

A vosotros, gracias por responder a mis preguntas y subir a mi trapecio. Ojalá el impulso en él os lleve lejos.

Sala Fenix_cartel

El espectáculo de la Compañía ANGÉLICO MUSGO“Ros. Melógamo mínimo de un viaje”puede verse en Barcelona en la SALA FÈNIX los próximos 10, 11 y 12 de mayo. Un espacio polivalente de teatro, formación y exposiciones en el centro de Barcelona, una sala de reciente creación que nace con una apuesta valiente de programación teatral y artística, con el foco de atención puesto en el placer de los detalles y el acento en los valores tradicionales de la expresión artística: EMOCIÓN, ESTÉTICA, VERDAD.

En Sala Fènix encontraréis una programación teatral tanto para adultos como para familias, basada principalmente en el teatro de máscaras, el cabaret, las marionetas y la Commedia Dell’Arte.

NOTA:

Todas las fotografías que se muestran han sido cedidas por ANGÉLICO MUSGO.


Malabares de poesía y reflexión (9): Reivindicando al payaso, el poeta en acción

Parafraseando a Henry Miller para quien “el payaso es el poeta en acción” este mes junto a la actriz y escritora Isabela Méndez y al filósofo Amador Martos reivindicamos al payaso. Porque asociadas al payaso van la alegría y la tristeza, las dos caras de la moneda: la vida.

¿Qué es un payaso? Un payaso es un corazón al descubierto, un ser que celebra y asume la vida en todas sus facetas. Caroline Dream afirma con poderío que “los payasos no son personajes, son personas, los mas humanos de los seres humanos“.

¡Seamos más payasos, seamos más humanos!

EL ESCRITO, por Isabela Méndez

“VENTAJAS DE SER PAYASO”


Título del escrito: Ventajas de ser payaso © ®
Título del dibujo: Yapasos (Técnica mixta) © ®
Palabra y pincelada de Isabela Méndez © ®

De noche el payaso tiene consigo la mejor estrella,
abre surcos y agujeros en lo oscuro,
hace flor su pensamiento,
riza el viento con sus ojos
y entre migajas que escaparon a los relojes consigue alimento.

El payaso vive las horas desde adentro. Él es el tiempo de la risa, del llanto que dormita entre la gente, del cansancio que sucede al bullicio.

El payaso es espejo de sí mismo
sin temor a su reflejo,
hace guirnaldas con la tristeza,
deja desnuda su rabia,
se burla de sus errores y los convierte en aciertos.

Al payaso se le perdona ser franco cuando señala nuestro punto flaco.

Si todos fuéramos payasos, iríamos sin armadura por la calle, nos permitiríamos vestir a nuestro aire, besar y abrazar sin buscar un momento señalado para hacerlo, reír cuando apetece con estruendo, no explicar porqué estamos cabizbajos, admitir el miedo, gritar cuando se desea, hablar solos y cantar en los espacios públicos o a un amigo imaginario, no pedir excusas cuando al salir del baño se nos olvidó subir la cremallera.

Brindo por un mundo de Payasos, en el que se considere normal aquello que tanto nos preocupa esconder de nuestra especie de “señores y señoras domadas” de “gente bien” y seria.

Cuando salga con una pantufla por monedero y use mi nariz roja no solo en escena sino en las diligencias diarias, cuando haya ascendido al nivel de “Payasa a tiempo completo”, ya no me encontrareis en esta tierra, seguro estaré flotando en la galaxia de la paz interior.

Ya no me entoncrareis en esta rrieta, segudo estadé toflando en la lagaxia de la zap inretior ….

LA REFLEXIÓN, por Amador Martos

“LA MÁSCARA”

Desde muy pequeño, y también de mayor, he sentido una gran fascinación y un profundo respeto por los payasos. Y no sólo por su capacidad de hacer reír o aportar alegría en un mundo gris, véase en este sentido el trabajo realizado por Payasos sin fronteras, una Organización No Gubernamental española sin ánimo de lucro cuyo objetivo es mejorar la situación psicológica de las personas inmersas en zonas de conflicto alrededor del mundo. El gran mérito del payaso es su capacidad de ser transparente en sí mismo, para sí mismo y para los demás. Ese gracioso actor tiene la rara habilidad de conectar y penetrar emocionalmente en el psicologismo de las personas. Vendría a ser como un psicólogo de las emociones, como un curandero de nuestros males interiores que sana mediante la risa.

¿Por qué necesitamos las personas del payaso, del psicólogo, de los libros de autoayuda y de las diferentes psicoterapias para reencontrarnos con nosotros mismos? Porque para relacionarse con los demás, la sociedad enseña a cada individuo unos patrones de percepción y comportamiento así como un sistema de creencias que podemos llamar personalidad (que en griego significa “máscara”). Esta máscara se interpone entre lo que somos —pura conciencia— y el mundo social. Por desgracia, perdemos la conciencia de nuestro origen sin forma, identificándonos con el instrumento que hemos ido creando como necesidad de adaptación social, considerando a la personalidad como nuestro yo.

Esa máscara social es la que nos impide ser igual de transparente y expresivo que el payaso. Pero quien sepa dar un paso más allá (trans) de ese disfraz, expandiendo su conciencia hacia la dimensión espiritual de la naturaleza humana, accederá a un potencial de crecimiento y autorrealización jamás soñado: pisará un terreno conocido como lo “transpersonal”. El término “transpersonal” significa “más allá” o “a través” de lo personal, y se refiere a las experiencias, procesos y eventos que trascienden nuestra limitada sensación habitual de identidad y nos permiten experimentar una realidad mayor y más significativa. El estudio de esos potenciales más elevados de la humanidad y del reconocimiento, comprensión y actualización de los estados de conciencia unitivos, espirituales y trascendentes son objeto de estudio mediante la psicología transpersonal que, mediante métodos y aplicaciones terapéuticas, ayuda a trascender el ego y sanar así los posibles problemas psicológicos que nos limitan de forma consciente o inconsciente.

Así, el reto de cada cual es identificar cuál es la máscara que le impide ser genuínamente auténtico, transparente en sí mismo, para sí mismo y para los demás, como un payaso, para conectar emocionalmente y experimentar una compenetración profunda con la existencia y la vida.


Entrevista a ISABELA MÉNDEZ. El cuento: un delicioso y delicado equilibrio entre narración y escucha

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Isabela Méndez durante una sesión de cuentos coordinada por TRIVIUM Gestió Cultural para Sala Àmbit Cultural de El Corte Inglés
Tarragona, 17 de noviembre de 2012
Fotografía: TRAPEZIdeTANA para TRIVIUM Gestió Cultural

“El cuento es un arte vivo que se sustenta en la respiración y el pulso de quien narra y de quien escucha, en un delicioso y delicado equilibrio” Isabela Méndez

Quise que esas palabras fuesen el titular de mi primera entrevista a ISABELA MÉNDEZ, y que hoy se ha publicado en BOOLINO. En esa frase se resume el discurso poético de esta gran artista, poliédrica, como me gusta calificarla.

En esa entrevista se recoge apenas una pizca de todo lo que abordamos cuando trabajamos juntas. En nuestras sesiones de trabajo, siempre la asalto con mil preguntas y curiosidades acerca de su arte y de su oficio. Y siempre bromeamos con empezar a crear un diario de conversaciones sobre arte, teatro, poesía, cuentos, palabras y silencios… Tal vez algún día lo hagamos ¿verdad, Isabela?

Comparto aquí el enlace a la entrevista que el portal BOOLINO, un lugar que busca ante todo entusiasmar a los niños con la lectura y los libros, ha publicado hoy. Lo hago con el deseo de que descubráis a través de nuestro diálogo a una gran artista y mejor persona. Alguien que contribuye con su profesión y su “duende” a construir lazos de comunicación, respeto e integración. Alguien que cree profundamente en el poder de la palabra y el silencio, tan necesarios.

Ambas creemos firmemente que se necesitan espacios para la escucha, que en este mundo hay ya demasiado ruido, que necesitamos sentir el sonido del lenguaje. Estamos demasiado acostumbrados a oír, pero no a escuchar ni a permitir sentir. Y en eso trabajamos.

Isabela, nos queda un largo camino por delante, y eso es lo que importa, el camino. ¡Sujeta bien tu turbante, que empieza el vuelo, amiga!

ENLACE A LA ENTREVISTA a Isabela Méndez:

En castellano  / En catalán 

NOTA PARA BOOLINO: Felicidades por la labor que hacéis. Gracias por darme la oportunidad de col·laborar con vosotros a través de breves entrevistas.

NOTA PARA TRIVIUM Gestió Cultural: Gracias por ofrecerme un lugar en vuestro equipo. Es un lujo para mi estar ahí, “ACTIVAMENTE CON LA CULTURA”.


27 de marzo Día Mundial del Teatro. Un día para HONRAR LA VIDA

DEDICADO A EDUARDO KOFMAN

Los días 20 y 21 de marzo se desarrollaron en el Institut del Teatre de Barcelona las V Jornadas sobre la Inclusión Social y la Educación en las Artes Escénicas.  La primera de las ponencias programadas fue impartida por el director de Teatro Comunitario EDUARDO KOFMAN.

Kofman la inició proyectando una potente dispositiva que mostraba 3 símbolos: un crucifijo, una estrella de David y una media luna árabe.  Y en la sala, el silencio.

Ese fue el arranque de una emocionante charla a lo largo de la cual presentó “Teatro por la paz y la convivencia”, el proyecto de teatro multicultural comunitario que lleva a cabo en Israel con jóvenes judíos, cristianos y musulmanes, y en la que una palabra, un verbo, destacó todo el tiempo sobre el resto: confiar.

¿Qué pretendía Eduardo Kofman al iniciar su ponencia con aquella diapositiva?

Pienso que sobre todo una cosa: provocar la reflexión sobre la diferencia, sobre la mirada del otro. Porque… ¿qué es el teatro, si no posar la vista en el otro, para de ese modo situarla en uno mismo? Ese es el poder del teatro, devolvernos nuestro reflejo. Por eso el teatro es mágico, curativo.

Dijo Eduardo Kofman: “No se puede negar la realidad. Al contrario, hay que aceptar y confiar. Mis juegos teatrales llevan a que confíen. El teatro se basa en la confianza mutua. El teatro es entregar el cuerpo, las sensaciones, las historias al grupo y al público. Y en ese ejercicio de confiar se aprende a respetar”.

Eduardo continuó explicando que en sus programas los textos y escritos que se representan están siempre escritos en dos lenguas: árabe y hebreo.  Lo que a mi modo de ver dice mucho, muchísimo, sobre su filosofía de trabajo, pues para él el verdadero idioma va más allá de las grafías y acentos, para él su lengua es el teatro. El arte dramático como idioma común, a través del cual se unen las diferencias individuales y colectivas, un lenguaje capaz de unir etnias en la convivencia y la tolerancia, sin que ninguna de ellas pierda su identidad,

Pero aun guardaba Kofman una diapositiva mucho más reveladora, con la que puso el punto final a su conferencia.

Era esta.

EduardoKofman_Barcelona20.03.13

Eduardo Kofman al final de su conferencia en el Institut del Teatre
Fotografía: Tana Sanz

En ella, una misma palabra escrita en dos lenguas distintas. Una diapositiva que actuaba como espejo de la realidad. Y la realidad, como dijo el propio Eduardo al inicio de su ponencia, no se puede negar. Esa palabra era “PAZ”, escrita en hebreo (Shalom) y en árabe (Salam).  Esa última diapositiva que lo resumía todo (dos grafías y dos sonidos prácticamente iguales) estaba lanzando una pregunta al aire: ¿alguien sabe dónde está la diferencia? ¿acaso no es más lo que nos une que lo que nos separa?

Leí un día: “La palabra es sonido, y el sonido cura”. Y me gusta pensar que en el teatro las palabras vuelan, recorren el escenario para bajar a la platea, traspasan tiempo y espacio y, en el mejor de los casos, acaban en los bolsillos de los espectadores que se las llevan con ellos a sus casas. Esa es la magia del teatro, un lugar en el que se refleja el mundo, un lugar para crear lazos de confianza, tan necesarios.

Eduardo Kofman nos hizo un regalo, la lectura en voz alta de un poema que él mismo acostumbra a leer a sus alumnos antes de que ellos salgan a escena y que ese día quiso compartir con todos los asistentes.

“HONRAR LA VIDA”

¡No! Permanecer y transcurrir
no es perdurar, no es existir
¡Ni honrar la vida!
Hay tantas maneras de no ser,
tanta conciencia sin saber
adormecida…

Merecer la vida no es callar y consentir,
tantas injusticias repetidas…
¡Es una virtud, es dignidad!
Y es la actitud de identidad ¡más definida!

Eso de durar y transcurrir
no nos da derecho a presumir.
Porque no es lo mismo que vivir…
¡Honrar la vida!

¡No! Permanecer y transcurrir
no siempre quiere sugerir
¡Honrar la vida!
Hay tanta pequeña vanidad,
en nuestra tonta humanidad
enceguecida.

Merecer la vida es erguirse vertical,
más allá del mal, de las caídas…
Es igual que darle a la verdad,
y a nuestra propia libertad
¡La bienvenida!…

Eso de durar y transcurrir
no nos da derecho a presumir.
Porque no es lo mismo que vivir…
¡Honrar la vida!

Luego supe que este poema es la letra de un tango de Eladia Blázquez. Y no es casualidad que sea la letra de un tango, pensé, porque… ¿y qué es la vida si no un tango? Dicen que la vida es un tango, que la tenemos que “mirar de frente, erguidos, cual bailarines, pero flexibles a los movimientos del camino”.

El 27 de marzo es el Día Mundial del Teatro, un día para “honrar la vida”.

Nota para Eduardo Kofman:

La lectura en voz alta es algo que defiendo y que desde este trapecio de tinta impulso. Creo firmemente que las palabras son instrumentos poderosos. Que por eso hieren a veces más profundo que las espadas, que por eso curan heridas que sangran. Creo que en este mundo que nos ha tocado vivir necesitamos con urgencia espacios para la escucha, para ver y sentir al otro a través de las palabras, a través sus sonidos. Pienso que esos espacios propiciarían otra manera de leer, que va más allá de pasar la vista por lo escrito. Leer es también pararse a escuchar a quien lee, es entender, comprender, descifrar, descubrir y sobre todo SENTIR. Fue impactante ver proyectada en el auditorio la misma palabra escrita en dos lenguas y sentir su sonoridad tan parecida.

Trabajo en proyectos que tienen que ver con el lenguaje y el arte. Esa diapositiva encierra mucho de lo que defiendo: escuchar el sonido de las palabras, sentir lo que nos quieren decir.

“La palabra es mitad de quien la pronuncia, mitad de quien la escucha.” afirmaba Michel de Montaigne. Y nos hemos olvidado de la segunda parte de la frase.

Fue estupendo compartir desde la butaca del auditorio sus palabras. Tal vez un día, en un futuro, pueda presentarle alguno de esos proyectos construidos sobre el sonido y la palabra dicha en voz alta en los que colaboro y ayudo a construir. Sería realmente fantástico sumar su apoyo en ellos.


El teatro, un cuerpo de madera con párpados de tela. El teatro de Isabela Méndez

El pasado 14 de enero, la actriz, escritora y cantante Isabela Méndez dedicaba en sus redes personales un sentido homenaje a su amor más antiguo, el teatro.

Sus versos sonaban así:

 “A mi más antiguo amor, 

a su cuerpo de madera, 

a sus párpados de tela, 

al dulce vértigo que me produce. 

Al teatro. “

Ese día Isabela Méndez cumplía 25 años de carrera en los escenarios.

Hoy, desde este trapecio de tinta, yo, su colaboradora y amiga, me sumo a sus palabras. Nada me hará más feliz que ver como su talento y su arte que respira en sus textos, sus dibujos, su música y que se desborda en los escenarios sigue creciendo año tras año.

¡Felicidades, ARTISTA! ¡Es un gusto compartir contigo anhelos, proyectos y trabajo!


Cuentos con palabras reversibles?… Quizás no! Ah?

Hoy el trapecio reparte signos de exclamación!

¿Qué sucede cuando a una palabra se le da la vuelta?…

¿Qué sucede cuando en un cuento brota una canción?…

Mmm… (es la alegría que nos hace soñar).

Aahhh!!!! (esto es lo que ocurre cuando menos te lo esperas).

Ooohh!!! (Es el sonido de la sorpresa cuando nos asalta).

Estas respuestas solo las encontrarás en un Festival de Narración Oral: el FESTIVAL MUNT DE MOTS, el festival de narración oral de Barcelona, que se celebra del 20 a 27 de octubre.

Pero damas, caballeros!!! Aun hay más!!!!!

Rrrredoble de tambores!!!!!

OOOOHHhhhhh! WOooowwwww!!!!

El próximo día 23 de octubre Isabela Méndez narrará sus propios cuentos en el marco de este festival que acoge la Casa Amèrica Catalunya.

Cuentos en prosa y verso, breves y no tanto, que hablan o cantan sobre amor, la rabia, la creación, alguna princesa y las vueltas que una palabra puede dar.

Cuentos en los que brota el humor y quizás también alguna que otra lágrima.

Son cuentos de la pluma de Isabela Méndez y que traen el eco de la tradición oral de su país natal: Venezuela.

Continuará…


Historias a ras del cielo

Històries a cel ras

Por las noches, al lado de una hoguera, bajo un árbol, junto a una chimenea, en la cama antes de dormir. En todos esos sitios se cuentan cuentos. Y hay personas a quienes no les gusta leerlos, sin embargo a todo el mundo le gusta escucharlos.

Yo este verano los he escuchado por las noches, junto al Mediterráneo, bajo la luz de la luna y de alguna estrella tímida que se dejaba ver.

Asistí a un par de sesiones del ciclo de relatos para adultos que bajo el título “Històries a cel ras” el Museo de Historia de Cataluña ha tenido este verano el acierto de programar.

Allí, a lo largo del verano, cada miércoles, un amplio repertorio de cuentos se fueron dando cita junto al Mediterráneo, en la fabulosa terraza del Museo. Sin duda alguna ¡un enclave de cuento! A todos los relatos que allí se escucharon les unía el mismo objetivo: acercar la magia de la narración oral al público.

Para quienes no los hayan descubierto aun, desde aquí les digo que los cuentos narrados en voz alta son un formato exquisito. Los relatos narrados en voz alta se convierten en un género muy cercano al teatro, en el que el narrador convertido en algo así como un ejecutante virtuoso del lenguaje da vida a las palabras, infunde ritmo, sonidos y música a las imágenes que va creando conforme avanza la historia, sin dejar por un momento de interactuar con el público. Como un gimnasta que ejecuta su ejercicio ante un jurado, el narrador sabe que con las piruetas de sus gestos y de su voz tiene un público al que sorprender y, en el mejor de los casos, cautivar y enamorar. Un ejercicio de alto riesgo!

El narrador ALBERT ESTENGRE durante su actuación programada el 18 de julio de 2012, titulada: “El sexe no beneït”, en la que narró historias del «sexo no bendecido» y que eran cuentos sobre sacerdotes y otras anécdotas, rescatados de la tradición oral catalana, que explicaban como se las apañaban algunos para practicar «aquello» que habían jurado que nunca iban a probar.

La narradora MÒNICA TORRA en un momento de su actuación el 29 de agosto, que llevó el título: “D’aquells boleros, aquells contes”. Un espectáculo en el que estuvo acompañada de la música en directo de un piano y en el que narró cuentos que hablaban de las historias que se esconden detrás de algunos de los boleros más famosos:  historias de amores extraños, de amores imposibles, de pasiones desenfrenadas… todas aliñadas con un particular toque de humor y de ternura.

El narrador, a través de sus historias, nos hacer sentir y construir el mundo. ¡Cómo si no empezamos a responder las grandes preguntas! ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?… Desde el origen de los mitos a nuestros días, las historias y los cuentos nos ubican en el territorio y construyen nuestra identidad. También hoy lo hacen, en plena revolución tecnológica y digital.

El ciclo de cuentos para adultos bajo la luz de la luna llegó a su fin el 5 de septiembre y lo hizo con éxito de convocatoria y de organización. Trivium Gestió Cultural estaba detrás coordinando el evento: de la dirección de su batuta (o quizás esta vez era una barita mágica…) se logró una calidad excelente además de conseguir algo poco usual para los tiempos que corren para la cultura: colgar el “no hay entradas” en todas las sesiones, ¡lleno total! Una buenísima noticia para todos: para los organizadores y sobre todo para la sociedad.

¿Para cuándo un ciclo de cuentos en invierno?… ¡Nos hemos quedado con ganas de escuchar más!

NOTA: Las fotografías han sido cedidas por Trivium Gestió Cultural.


Festival Tiflollibre 2012. Tercera parte

LA BRÚJULA DE LA PALABRA

Dedicado a los socios de la Asociación Discapacidad Visual Cataluña B1+B2+B3 que el 27 de junio de 2012 se convirtieron en lectores de excepción: a Jaume Respall, Paquita García, Pere Valera e Isabela Méndez.

Mi tercer y último post dedicado al Festival Tiflollibre 2012 es ante todo una reflexión acerca de la lectura en voz alta.

Pocas veces asistimos a escuchar lecturas en voz alta y mucho menos lecturas de personas con discapacidad visual. Por ello, ya solamente por ese hecho, este Festival era motivo de fiesta y de celebración. “La joya de la palabra” era el título del festival este año, y en verdad el acto hizo honor a su nombre.

Jaume Respall fue el primer socio de la ADVC en subir al escenario. Seguro y firme se pertrechó tras el atril, y desde allí y de memoria prestó su voz al Andreu de “L’hostal de la Glòria” de Josep M. de Sagarra. De repente estábamos todos inmersos en la pelea interna de amor y celos de un hombre. Por unos minutos las palabras rotundas, feroces, de animal herido y abatido de un Jaume convertido en Andreu lo inundaron todo. No hacía falta escenografía, telón ni vestuario, únicamente armado con la emoción de las palabras Jaume nos sumergió en el teatro. Una pirueta de alto vuelo fue su intervención.

Jaume Respall, socio de la ADVC en un momento de la lectura de “L’hostal de la Glòria” de Josep M. de Sagarra.
Festival Tiflollibre 2012.
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

La siguiente en hacer volar su voz fue Paquita García, la vicepresidenta de la ADCV y lectora ferviente de poesía. Ella escogió a Miquel Martí i Pol, uno de los más grandes. Su “Dona’m la mà” y “Com un ocell a les mans” fueron recibidos con aplausos y alegría. Nuevamente la palabra del poeta  en la voz de Paquita trascendía la realidad y reflejaba las emociones más humanas.

Paquita García, vicepresidenta de la ADVC
en un momento de la lectura de dos poemas de Miquel Martí i Pol.
Festival Tiflollibre 2012.
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

Los versos de otro gran poeta universal también estuvieron presentes, los del poema “Los Justos” de Jorge Luis Borges. Pere Valera les prestó su voz, no sin antes hacer un alegato desde el escenario a favor de la lengua y la lectura.  Y es que en el Festival también hubo lugar para la reivindicación.

Pere Valera, socio de la ADVC en un momento de su lectura en braille del poema “Los justos” de Jorge Luis Borges.
Festival Tiflollibre 2012.
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

La última de las voces de la ADVC en subir al escenario fue la de la actriz, escritora y cantante Isabela Méndez.

Porque trabajo con ella en el desarrollo de proyectos que tienen que ver con el arte y la lectura y porque con ella comparto grandes conversaciones, este post inevitablemente va a tener el cierre de sus palabras.

Miles de veces he hablado con Isabela Méndez acerca de la lectura, de la música y del ritmo del lenguaje, de la melodía interna de las palabras y de algo que para ella es de vital importancia: el silencio. Y es que Isabela es escritora, pero ante todo es actriz, y eso la hace una malabarista de las palabras. Ese día Isabela leyó un texto propio, pero hizo algo mucho más emotivo: compartió con el público asistente su discapacidad visual. A través de “La brújula dispersa” que refleja la realidad y el sentir de una actriz de baja visión al acudir a un cásting, Isabela fue confesando y desnudando sus emociones. Un manto de respeto y silencio cubrió el auditorio. La emotividad de su texto, basado en sus propias experiencias, hizo que la respiración del público y la suya fuesen una sola.

Isabela Méndez, actriz y escritora y además socia de la ADVC. Durante su lectura de “La brújula dispersa“.
Festival Tiflollibre 2012.
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

“Quizás en eso consiste la magia de la lectura en voz alta -pensé mientras la escuchaba- en conseguir que la respiración de quien escucha se acompase a la de quien lee y se funda en una sola. ¿Quizás por eso el poeta y el músico viven en universos paralelos?…”.

“La brújula dispersa” es el título del relato de Isabela, salido de su tintero, que ella regaló ese día, pero quizás no fue consciente de que nos regaló mucho más. Nos brindó la ocasión única de sentir qué son las palabras para alguien de baja visión, de conocer que las palabras son brújulas y que con ellas podemos no sólo nombrar el mundo sino crearlo.

En estos días le pedí a Isabela que me escribiese algo acerca de lo que significa la lectura en voz alta para una persona con baja visión. Y ella, valiente y decidida como siempre, aceptó el reto.

Aquí están parte de esas palabras* de Isabela:

“La palabra tiene la capacidad de mantener el orden del mundo, pero también de romper lo establecido, de vertebrar las letras de nuevas maneras y por tanto nuestro pensamiento.

Dentro de los diversos lenguajes, la palabra hablada y escrita lleva gran parte del peso de la comunicación en la sociedad. ¿Pero qué pasa cuando la persona que necesita recibir la información de la palabra escrita es ciega, o tiene alguna limitación visual significativa?, sucede que se produce un cortocircuito porque nos resulta imposible acceder a esa información. En tales circunstancias la palabra hablada, cobra aún más importancia, tanto en los asuntos cotidianos, como en lo relativo al recreo.

La voz ejerce protagonismo, pues funge de lazarillo, revela, advierte, alegra, seduce, conmueve, apasiona. De eso saben los voluntarios, familiares y amigos que acompañan a personas invidentes o con baja visión.

No podía dejar de mencionar todo lo anterior. Creo que es importante hacer difusión de estos asuntos, para que quienes no están en contacto con esta problemática, tengan la oportunidad de conocer el tema.

Ahora entro de lleno en lo relativo a la lectura en voz alta, que es quizás, mi viaje favorito. Pasan muchas cosas cuando alguien me lee en voz alta, como que encuentro praderas, tinteros aéreos, caricias acústicas, playas, un muelle repleto de barcos y cada barco con su recorrido, una lumbre, rayos buscando partir las cosas, matices, e incluso silencios gloriosos. Sin duda una lectura en voz alta es uno de los mejores regalos que alguien puede hacerme”.

Dicen que una imagen vale más que mil palabras, yo empiezo a dudarlo. ¿No será en todo caso que no nos tomamos el tiempo ni el espacio para hallar esa palabra justa que necesitamos?… Dejo la reflexión en el aire.

Hoy os hago un regalo, un poema de Isabela sobre la ceguera. Que lo disfrutéis y lo reflexionéis!

* Estas palabras de Isabela tendrán continuidad en un proyecto de ensayo acerca de la brújula de lectura en voz alta en el que ambas trabajamos conjuntamente.

ESTOS PLANETAS

Título del poema: Estos planetas
Título del dibujo: Esta galaxia
(Tinta sobre papel)
Dibujo y poema de Isabela Méndez

Me duelen
estos pequeños planetas
que buscan posarse sobre las cosas.
Los ojos, míos, en sus cunas de carne,
mis ojos.

Y cada mirada que lanzan
es una mariposa a la que pesan las alas
y llega a su destino cansada
o a veces se extravía en el camino.

Hoy vino una amiga a casa,
se sentó a menos de dos metros de distancia
y supe que lloraba por su voz quebrada.

Su rostro era para mí
un bosque de especies tan lejanas
que ni mis mariposas en tropel,
pudieron descifrarlas.


Festival Tiflollibre 2012. Segunda parte

DE VERSOS Y REGALOS DE POESÍA INÉDITA QUE LATEN AL SER LEÍDOS EN VOZ ALTA

Dedicado a los lectores de excepción de TIFLOLLIBRE 2012: Carles Duarte, Jordi Cervera, Àlex Susanna, Vicenç Villatoro, Núria Albertí y Jaume Clèries.

A la lectura de Josep Maria Pou, “Hijos de la época” de Wislawa Szymborska, que fue la primera en escucharse ese día, el evento sumó otras voces y versos que además de latir en la tinta del papel y en la voz de sus autores lo hicieron en el pulso de todos los asistentes.

Creo que no fui del todo consciente hasta que empecé a escuchar las lecturas que se fueron sucediendo en las voces de aquellos poetas y escritores, de todo el talento y arte que allí se había reunido para la ocasión. Cuando la pincelada de los versos de Carles Duarte comenzó a pintar el auditorio de melodías, silencios, pausas e imágenes cargadas de sensualidad, supe que aquello iba a ser un recital para los sentidos. Carles Duarte, poeta, lingüista y presidente del CoNCA, abrió el primero de los regalos de poesía inédita de la tarde: nos obsequió con dos intensos poemas breves propios e inéditos: “Frontera” y “El cant”. Las lecturas del Sr. Duarte fueron un lujo!

Carles Duarte (Festival Tiflollibre 2012)
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

Intento encontrar la imagen con la que podría resumir aquí la sensación de escuchar la poesía en la voz de sus autores, en directo, en el marco justamente de un festival dedicado a celebrar la palabra en voz alta y además promovido por la Asociación de Discapacidad Visual Cataluña, y no logro dar con la frase o palabras perfectas que lo resuman todo.

Hace tiempo que trabajo sobre la hipótesis de que la melodía de las palabras dichas en alto, los silencios y pausas al leer en voz alta producen en las personas un efecto similar al que provoca la música: nos amansan, nos seducen, nos impulsan a aplaudir, nos envuelven en la melancolía o nos inquietan o enloquecen.

Esa tarde pude constatar una vez más que existe un latir en todas las palabras y que se hace más presente al ser leídas en voz alta. Pero si a esto se añade que las voces serían las de sus propios autores, el pulso iba a ser aun más vivo, pues ese latir iba a compasarse con el del público allí presente.

A lo largo de la tarde todos los congregados descubriríamos melodías, metáforas e imágenes y quizás, en una de ésas, alguna de ellas se colase en nuestros bolsillos.

La poesía inédita siguió inundando el Auditorio del CaixaFòrum. Jordi Cervera quiso compartir un largo y bello poema: “La fe, la pàtria i, qui sap, potser l’amor…”. Jordi apoyó desde el minuto cero este festival. Además de cómo lector de excepción, lo hizo como poeta, escritor y periodista. Él fue mi puente para hacer circular la noticia en Catalunya Ràdio, y en su blog quiso además dedicar  un artículo al Festival. Su colaboración fue un regalo!

Jordi Cervera (Festival Tiflollibre 2012)
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

Pero aun quedaban más regalos por abrir. De la voz de Àlex Susanna, poeta y director adjunto del Institut Ramon Llull, el público recibió versos que repartían instantes fugaces de la vida cotidiana, imágenes y recuerdos que se fueron para no volver pero que gracias al arte poético permanecen inalterables y llenos de luz y aroma. Desde aquí quiero agradecer al Sr. Susanna su gesto al venir a leer en voz alta, pues pocas personas conocen que esa misma tarde, justo unas horas antes, aterrizaba en Barcelona procedente de París. Ni por un momento esa circunstancia hizo inviable que esa tarde pudiésemos disfrutar de “Diumenge a la tarda” y “Familia nombrosa” leídos de su propia voz. Y es que, constato una vez más, el poeta, al igual que el músico, necesita sentir latir la melodía y el ritmo de sus composiciones, saben que tener la ocasión de leerlas en voz alta es un momento único, pues es en esas ocasiones cuando sus obras vibran en el pulso del público.

Àlex Susanna (Festival Tiflollibre 2012)
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

Cuando empecé a contactar con poetas, escritores, actores, músicos… con la firme intención de involucrarlos y conseguir su participación en este Festival, tuve una cómplice: Montserrat Tolosa, directora de TRIVIUM GESTIÓ CULTURAL. Montserrat hizo correr la noticia del Festival en su web, en sus newsletters, a través de mailings incluso! Se convirtió en mi mano amiga, la que me ayudó a abrir algunas puertas. Gracias a una gestión suya pude conseguir hablar con uno de los más grandes y respetados: Joan Margarit. Quiero agradecer desde estas líneas al Sr. Margarit su apoyo y su mensaje de prosperidad para el Festival. De haberse celebrado el acto en otra fecha su voz probablemente se hubiese escuchado también ese día. Por eso me hizo muy feliz saber que uno de los lectores invitados, Jaume Clèries, el director de un programa sobre lectura actualmente en antena en el canal 33: “VIA LLIBRE”, escogería finalmente los versos de Joan Margarit. ¡Qué mejor regalo que ese día el periodismo cultural en la voz de Jaume Clèries impulsase la lectura y la poesía en voz alta a través de los versos de uno de los más grandes! “El que t’endús” fue el poema de Joan Margarit escogido por Jaume.

Jaume Clèries (Festival Tiflollibre 2012)
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

Pero no hubo solo palabras al vuelo, las risas y el juego llegaron también al Festival. Lo hicieron gracias a Núria Albertí, la escritora y poeta infantil que supo hacer de la poesía un juego de niños y que todos los presentes, adultos en su mayoría, participasen en el divertimento que ella creó. Con la ayuda de dos de sus poemas: “El pou” y “Gri Grill” Núria sacó al niño que todos llevamos dentro, creando un momento lúdico y festivo.

Núria Albertí (Festival Tiflollibre 2012)
Fotografía: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

Y finalmente llegó el broche de oro. Lo puso el escritor y director del Institut Ramon Llull, el periodista Vicenç Villatoro. El Sr. Villatoro se sumó a seguir repartiendo regalos de poesía inédita. Nos obsequió nada más y nada menos que con “Dues blasfèmies”. Su lectura y su voz, una sorpresa final para el público, cerraban con la contundencia de sus versos inéditos un Festival que había hecho honor a su nombre: “La joya de la palabra”.

Vicenç Villatoro (Festival Tiflollibre 2012)
Fotografia: Martí Andiñach (AMOR A L’ART)

Pero este Festival tuvo otros lectores de excepción, voces anónimas en su mayoría, y todas ellas compartiendo una cualidad: leer de otro modo, sentir y hacer latir el lenguaje de modo distinto. Ellos fueron realmente los verdaderos protagonistas del Festival, personas para quienes la lectura en voz alta es uno de los regalos más bellos.

Quiero cerrar este artículo con un twitt ilustrado de Isabela Méndez, escritora a quien represento y con quien trabajo desarrollando proyectos. Isabela fue además una de esas voces protagonistas del Festival. Para ella y para el resto de voces principales del Festival irá dedicado mi tercer y último post sobre el Tiflollibre 2012.  Continuará…

Latir sobre el pliego
Twitt ilustrado de Isabela Méndez


Festival Tiflollibre 2012. Primera parte

DE PALABRAS Y SUEÑOS QUE A VECES SE CUMPLEN

Dedicado a Josep Maria Pou

El 27 de junio de 2012 fue un día de esos que se guardan en la memoria personal para poder ser degustado y disfrutado.

Ese día se celebró en el CaixaForum de Barcelona el Festival Tiflollibre 2012, una iniciativa de la Asociación Discapacidad Visual B1+B2+B3 y que este año encargó a Centro Trinidad la organización del evento. Mi dicha y alegría empezó el día en que recibí la propuesta de Katrina Rodríguez para desempeñar el rol de responsable de comunicación del acto y responsabilizarme también de la operativa. Con ilusión, nervios y gran empuje dije “SÍ”, un sí con mayúsculas. Yo no sabía en aquél momento que otros “SÍ” eran los que más tarde iría recibiendo de todos y cada uno de los lectores de excepción, personalidades de la poesía, de la literatura, del teatro y del periodismo a los que fui invitando y fui contactando desde, insisto, la más profunda ilusión y bravura para conseguir involucrarlos y que viniesen el 27 a sumar sus voces y leer en voz alta junto a los lectores de la ADVC B1+B2+B3, y armar entre todos un regalo de palabras y música para el público asistente.

Poco a poco fueron llegando los primeros “Sí”, mayúsculos insisto.

El primero, el de Josep Maria Pou, un actor como la copa de un pino (y que no se me malinterprete la expresión), pues su grandeza personal y profesional supera con creces la de su estatura y porte. Desde bien pequeñita su imagen ha ido ligada en mi memoria al teatro, y siempre soñé con poderlo ver en escena (sueño que ya cumplí en 1998 al ir a verlo actuar en ARTE de Yasmina Reza en el Teatro Tívoli de Barcelona, donde era dirigido por otro Josep Maria, otro artista de los grandes: Josep Maria Flotats).

Él, Josep Maria Pou, decidí y tuve claro desde el principio, sería una de las personalidades que yo iba a contactar como lector invitado de este festival.

El día que recibí su respuesta, su “SÍ” en mayúsculas a mi propuesta de pronunciar como apertura del acto unas palabras personales dedicadas a la lectura y en especial a la lectura en voz alta, ese día no lo olvidaré nunca. Pues yo lo contacté a través de su página web, ni siquiera tenía su mail ni nada que me condujese a él. “Por fortuna existe Internet -pensé-  así que vamos a ello”. Escribí lo mejor que pude, escogiendo las palabras y los verbos. Si lo que yo buscaba era su “sí”, pensé que la mejor manera de conseguirlo era con la melodía y la seducción del lenguaje, al fin y al cabo la propuesta que iba a lanzarle era justamente la de venir a leer unos minutos de forma voluntaria a un festival de lectura en voz alta. Mis palabras debían cumplir su función, y me esmeré. Eso sí, decidí que el protocolo debía estar presente en aquellas letras pero mi ilusión también, por eso no dudé en proponerle en mi escrito que además de un poema (ese era el encargo específico que yo tenía) preparase también unas palabras personales como apertura del Festival, unas palabras sobre su experiencia como lector, sobre la importancia que tenía para él la lectura en voz alta. Ese mail obró el milagro. Yo no sabía que para Josep Maria Pou la lectura siempre ha sido su actividad preferida, incluso más que ir al teatro o al cine, ni que buena parte de sus primeros años en la profesión los pasó leyendo libros para el Servicio del Libro Hablado de la ONCE en Madrid. Cuando lo supe no daba crédito, eran un montón de pequeñas casualidades! Hay quien defiende que las casualidades no existen, ¿será que la vida teje puentes y ocasiones propicias y esta era una de esas?

Mi sueño se cumplió: Josep Maria Pou leyó el día 27 un poema escogido por él mismo: Hijos de la época, de la premio Nobel Wislawa Szymborska en traducción de Anna Maria Moix. Pero antes de leer esos potentes versos hizo un gesto que desde este trapecio de tinta quiero agradecerle profundamente, pues destapó un regalo sorpresa para todos: pronunció aquellas palabras personales dedicadas a la lectura en voz alta que yo, movida por el impulso de la ilusión y la alegría, le pedí que preparase como apertura del festival.

¡Pero si yo solo le había pedido unas palabras sobre lo que significa la lectura para él, sobre lo que son las palabras dichas en voz alta para él! –pensé cuando constaté feliz desde el fondo del Auditorio, desde donde lo escuché, que venía con un discurso en toda regla!, meditado y escrito especialmente para la ocasión. Fueron mucho más que unas palabras, su parlamento fue una confesión pública de una pasión, la de la lectura, la de que siendo un niño en la biblioteca familiar el gusanillo de la literatura y la poesía se había hecho amigo suyo. Esa pasión por la lectura, nos confesó, le ha acompañado siempre.

Josep Maria Pou durante la lectura del poema Hijos de la época
de la poeta polaca Wislawa Szymborska
FOTOGRAFIA: Martí Andiñach (Amor a l’Art)

Josep Maria nos hizo a todos los que allí estábamos un regalo inesperado: nos regaló su voz y su pasión por las palabras leídas en voz alta. Ese día me emocionó saber que es cierto que algunos sueños a veces se cumplen, pues las palabras que yo pedí para ese día se convirtieron en el mejor de los discursos.

Por eso sentí el cosquilleo de la alegría al saber que si uno hace las cosas desde el corazón es muy probable que la respuesta llegue y que todo fluya. Y que si uno se rodea de gente que le brinda la libertad necesaria de actuación para desarrollar su trabajo y no solo eso, sino que si uno percibe esa confianza entonces es cuando empiezan a darse las oportunidades. Katrina  lo sabe, sabe que yo necesito conocer los objetivos a cumplir, lo que se espera de mi como profesional, el rol a desempeñar, pero sabe también que cuando más efectiva soy es cuando palpo esa confianza y ese espacio para desenvolverme. La confianza y la libertad de actuación que yo necesitaba para trabajar a mi modo me las brindó Katrina, una enérgica y dinámica directora de orquesta. La complicidad la tuve del equipo humano de la Asociación, muy especialmente de Daniel. El tiempo que compartimos juntos en este proyecto pude palpar y sentir que todos trabajábamos por conseguir un objetivo común: impulsar un festival 10! Y cada “sí” conseguido lo celebrábamos como si hubiésemos logrado alcanzar la más alta de las cimas.

Envuelta en ese espacio de confianza y libertad trabajé todo el tiempo. Con emoción, nervios y algunas dosis de estrés viví la responsabilidad de llevar la comunicación y la operativa de este evento. Pero lo que me movió en todo momento fue la alegría y el tesón, a ambos los sentí conmigo todo el tiempo.

Creo que fue lo más parecido a volar subida a un trapecio!

Continuará…