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CINETÍNERE, Underground Arqueología y la recuperación social y puesta en valor del patrimonio en el medio rural

Un día recibí un correo. Me lo enviaba alguien de mi red de contactos de LinkedIn, me informaba de un congreso que iba a tener lugar este verano: el I Congreso Internacional sobre educación y sOcialización del pAtrimonio en el medio rural (sOpA’13), un foro de encuentro que enseguida llamó mi atención. Rastreé por la red y vi que en ese congreso se iba a presentar el resultado final de un interesante y necesario proyecto, un “cine itinerante” por la recuperación social del patrimonio en el medio rural que este verano de 2013 va a recorrer algunas localidades del país: CINETÍNERE. Un proyecto que apuesta en firme por una nueva visión sobre la gestión del patrimonio: la gestión desde lo social, no sólo desde las administraciones.

La conversación que sigue va a desmontar algunos tópicos y despertar conciencias, ¡aviso para navegantes!

Conversación con Juanjo Pulido, arqueólogo y fundador de UNDERGROUND ARQUEOLOGÍA, sobre el PROYECTO CINETÍNERE: cine itinerante por la recuperación social del patrimonio en el medio rural.

Viendo como el panorama actual de la Arqueología se está reajustando a pasos agigantados, y no sólo el de la Arqueología como disciplina científica, sino también el de los restos arqueológicos, que en muchas ocasiones sufren la dejadez por parte de sus gestores directos, mi definición como arqueólogo podría ser, a riesgo de generar un nuevo “palabro”, a los que por otra parte estamos cada vez más acostumbrados en el mundo de la creatividad y la innovación, la de arqueólogo social. “Social” por lo de implicación en darle una nueva oportunidad a ese patrimonio olvidado ante la sociedad y “social”, también, por intentar crear un nexo entre esa sociedad y un patrimonio que es suyo pero a la que cuesta hacer entender que tiene un papel esencial en su protección y puesta en valor.

Juanjo Pulido (Arqueólogo y emprendedor. Fundador de Underground Arqueología)

cartel CINETINERE A3 GENERAL

Juanjo, dime en una frase qué es CINETÍNERE.

Es una muestra viajera de cine documental que va a recorrer este verano las localidades de Oia (Pontevedra), Somiedo (Asturias), Valdelugueros (León), Robleda (Salamanca), y Romangordo y Malpartida de Cáceres (Cáceres), con la que queremos mostrar otra forma de gestionar el patrimonio cultural basada en la participación cuidadana conjuntamente con los referentes culturales del territorio cercano.

¿Cómo nace la idea del proyecto? ¿Cuál es la visión del proyecto?

La idea nace de ver cómo hay una parte del patrimonio que siempre está abandonado a su suerte por parte de las administraciones a la hora de poner en marcha grandes proyectos de promoción turística o de intervención sobre elementos patrimoniales con ese fin, dejando de lado aquellos que están en zonas alejadas de los grandes conjuntos históricos. Aunque hay casos aislados, el patrimonio localizado en el medio rural sufre esa marginación y pensamos que era una buena idea apostar por él. Tras una acción que desarrollamos en la localidad de Malpartida de Cáceres dentro de un proyecto llamado MAILA y en la que conseguimos realizar el plano completo del yacimiento romano del monumento natural de Los Barruecos a través de unas jornadas participativas de trabajo entre ciudadanos y arqueólogos, el ayuntamiento pensó que era una buena idea implicarse en esa nueva visión de la gestión patrimonial.

Proyecto MAILA.
Jornadas participativas de medición del yacimiento romano de Los Barruecos,
en Malpartida de Cáceres.

En gestión cultural, difusión y puesta en valor son conceptos clave para lograr la recuperación y la conservación del patrimonio. Pero vosotros vais un paso más allá, os habéis propuesto crear los cimientos de un tipo de gestión del patrimonio alternativa, con el acento en la conciencia de las personas. Queréis que sean los propios pueblos, los propios vecinos, quienes generen sus propios recursos para conseguir esos objetivos. ¿Con qué estrategias contáis? ¿Con qué metodología y herramientas lo haréis?

El hacer a los ciudadanos partícipes de esa gestión, que de otro modo nadie haría, nos parece una buena idea como forma de concienciación y como generación de riqueza para esos pueblos o territorios.  No pretendemos liderar ninguna acción ni mantener nuestro trabajo en todos los sitios que visitemos, porque no hay tiempo en los cuatro días que estemos en cada municipio y porque no tenemos los medios suficientes. Pero sí queremos despertar ese interés por que los ciudadanos del medio rural apuesten por explotar sus recursos y les explicaremos cómo hacerlo. Para ello, dedicaremos uno de los cuatro días para realizar una mesa de trabajo con todas aquellas personas, instituciones, empresas, colectivos o asociaciones que nos quieran acompañar para exponerles todas estas cuestiones e intentar que ellos mismos empiecen a generar dinámicas. Al margen de las películas y de las mesas de trabajo, también visitaremos algunos de esos elementos patrimoniales y realizaremos talleres pedagógicos relacionados con la arqueología.

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Talleres pedagógicos sobre arte rupestre y cerámica prehistórica.

¿Cuál es vuestra propuesta y en qué se sustenta, más allá de lo loable y necesario del proyecto?

La idea es multiplicar el proyecto y que se empape de otros proyectos. En Galicia, por ejemplo, trabajaremos conjuntamente con un colectivo hiperactivo que se llama Niquelarte, y que tiene una propuesta muy dinámica llamada BIComun; en León tendremos un encuentro con la gente de PROMONUMENTA, una asociación en defensa del patrimonio leonés que nos contará su forma de actuar a favor de la protección del patrimonio en su provincia; en Romangordo estaremos con los amigos de la Asociación Madinat Albalat, que están excavando en un yacimiento de época islámica espectacular… Son distintas propuestas que van a beneficiarse unas de otras y que van a crear un caldo de cultivo especial e innovador y que va a servir de base para poder adaptarse y crear nuevas estrategias a la hora de acercar al público su labor e implicarlo en su recorrido.

fotos dinamicas

Mesas de trabajo y dinámicas participativas para la difusión de la metodología con la participación de ciudadanos y referentes culturales de los municipios y su territorio más cercano.

¿Cómo se visibiliza y se recupera el patrimonio en las zonas más “olvidadas” como las rurales, faltas de más recursos y conocimientos que los entornos urbanos?

Con mucho trabajo previo. La ciudadanía ha estado acostumbrada a una gestión del patrimonio “impuesta” por las administraciones, en la que en pocos o en ningún caso se ha contado con ellos a la hora de diseñar un plan director y sobre todo al pretender que la puesta en valor de un bien patrimonial no fuera, no solo rentable económicamente, sino sobretodo viable y sostenible. Hacer que la sociedad sea consciente de que el patrimonio cultural es un bien común y que no en todos los casos, y menos en el medio rural, habrá una partida presupuestaria para que ese patrimonio se conozca, se recupere y se difunda es labor de aquellos que estamos implicados en esa voluntad de que los recursos patrimoniales sean precisamente eso, un recurso y no una carga para nadie y un problema que ya solucionarán otros porque “es su deber”. Conseguir reunir a los  estamentos sociales y culturales de los pueblos facilitará esa base para la ejecución no solo de este, sino de cualquier otro proyecto que esté enfocado en propiciar riqueza y no abandono a las áreas rurales.

foto 5_mujeres de malpartida

Mujeres de Malpartida de Cáceres realizando las populares patateras en una visita de promotores turísticos a la localidad.

Y si hablamos de financiación, ¿cómo se transita por ese duro camino de lograr ayudas y apoyos? ¿Con qué colaboradores y patrocinadores cuenta CINETÍNERE?

El proyecto está financiado en un 70 % por las Ayudas a Corporaciones Locales para actividades culturales que fomenten la comunicación cultural correspondientes al año 2012, convocadas por la Secretaría de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de España, pero suponen un 50% del coste total del proyecto, ya que la parte de la itinerancia no aparece recogida por las bases de la convocatoria aunque sí que se obliga a ella.  Ante esta disyuntiva tuvimos que buscar la manera de financiar la itinerancia, en la que también estaban incluidos los derechos de proyección de los documentales. En este sentido hemos tenido suerte ya que la Filmoteca de Extremadura se ha hecho cargo de los gastos de una de ellas y el resto de productoras se han convertido en patrocinadoras al cedernos los derechos de sus películas durante la ruta. No obstante, no hemos podido conseguir financiación para sufragar los gastos del desplazamiento, por lo que hemos tenido que recurrir a la red de financiación colectiva, o crowdfunding, Goteo  mediante la cual solicitamos  a personas individuales concienciadas con el proyecto, una colaboración a la medida de sus posibilidades. Nosotros no vemos a esas personas que han estado realizando aportaciones como meros patrocinadores, sino como agentes activos del propio proyecto ya que el retorno social del mismo es tan importante como la acción en sí misma. El enlace para colaborar con el proyecto es el siguiente:

http://goteo.org/project/cinetinere

Luego también están los colaboradores, como los ayuntamientos de las localidades que vamos a visitar, que nos han cedido los espacios y nos han dado todas las facilidades para poder ejecutar el proyecto, así como otros colectivos y empresas que nos han brindado la oportunidad de colaborar con nosotros y que ya forman parte del proyecto. Y por último, los medios, ya sean off line u on line, sin los cuales este ideario de ilusiones y nuevas ideas no tendría la oportunidad de realizar esa itinerancia paralela que es la comunicación.

El resultado de este proyecto se presentará en el “sOpA’13: I Congreso Internacional sobre Educación y Socialización del Patrimonio en el Medio Rural que tendrá lugar en Malpartida de Cáceres el próximo septiembre. ¿De dónde surgió la idea de organizar un congreso de este tipo? ¿Cuáles son sus objetivos y qué esperáis conseguir?

La idea surgió de la cosa más simple. Cuando estábamos redactando el proyecto, como última acción pensamos en organizar unas pequeñas jornadas de uno o dos días, para mostrar el trabajo que habíamos realizado con CINETÍNERE, con alguna charla más sobre algún otro proyecto. Sin embargo, viendo que si nuestra idea es que esta nueva visión sobre la gestión del patrimonio desde lo social se fuera extendiendo a otros muchos lugares, organizando actividades muy localistas sería un proceso muy lento y tedioso. Así que decidimos montar un congreso para que aquellos colectivos que tuvieran una visión similar a la nuestra nos mostraran también su trabajo, y que aquellos proyectos que quizá de otra forma no tuvieran la visibilidad suficiente pudieran ser mostrados ante gentes venidas de otros puntos de España y de este modo ir tejiendo una red de sinergias y contactos para futuras colaboraciones entre unos proyectos y otros. Y ya, nos tiramos al río y pensamos en por qué no incluíamos también otras formas de gestión que se estuvieran desarrollando en otras partes del mundo… ¡y lo hicimos! Más de 100 propuestas de proyectos de toda España y de países como Italia, Brasil, Portugal, Argentina, México, Colombia, Chile o Azerbaiyán van a mostrarnos distintas soluciones y distintos modos de ver la gestión del patrimonio cultural en el medio rural, y eso hay que aprovecharlo, porque actualmente no existe un foro que aglutine todas esas visiones y haga que se den a conocer.

CARTEL sOpA'13

UNDERGROUND ARQUEOLOGÍA es quién está detrás de todo ello. ¿Qué os define como equipo? ¿Qué os hace diferentes?

Underground Arqueología se creó con una idea fija y no era otra que la de hacer las cosas distintas. Nacimos en plena crisis, coincidiendo con la hecatombe del sector inmobiliario y de los grandes proyectos de infraestructuras, de los cuales se estaban nutriendo también las empresas de arqueología, y por qué negarlo, nosotros también nos beneficiamos aunque como asalariados con sueldos reguleros, y todo esto al final ha tenido sus consecuencias también para el patrimonio. Viendo el panorama decidimos que ese tipo de gestión estaba abocada al fracaso y pensamos en idear otras estrategias para que ese patrimonio no quedara en el olvido. Como el patrimonio “gestionado” por los entes públicos es, por llamarlo de algún modo, “intocable”, decidimos volcarnos en el medio rural, con menos oportunidades y alejado de las garras de la “especulación” cultural, al no ser rentable según sus criterios. Si digo trabajar duro por conseguir nuestros objetivos, no creo que ello nos diferencie de otras empresas o colectivos que en estos momentos no tienen otra opción que hacerlo, pero posiblemente la pasión que le ponemos, las ganas de conectar con otros mundos, otras  dinámicas y otras gentes, nos permita de algún modo tener un rinconcito especial en un sector como el de la gestión cultural que no está ahora para muchos bailes pero que está lleno de buenas ideas y de gente con ganas de llevarlas a cabo.

underground arqueologia

El equipo de UNDERGROUND ARQUEOLOGÍA
De izquierda a derecha:
Juanjo Pulido, Trinidad Castellanos,
Sabah Walid, Aníbal González-Arintero, Rubén Benítez

Desde este trapecio impulsamos el talento y las ganas de sacar adelante proyectos culturales como CINETÍNERE, y será un placer estar presentes en el Congreso sOpA’13, el I Congreso Internacional sobre Educación y Socialización del Patrimonio en el Medio Rural.

Para sumar apoyos y colaborar con el proyecto CINETÍNERE: http://goteo.org/project/cinetinere

CONTACTO:  Juanjo Pulido (UNDERGROUND ARQUEOLOGÍA) info@underground-arqueologia.com

¡Nos vemos en Septiembre en sOpA’13!


TIEMPO, BEAT & GROOVE Conversación con Daniel Navarrera, baterista de SANTO MACHANGO

El ritmo es tiempo, es eso, es pulso, entre nota y nota hay cierta respiración”   Daniel Navarrera (Daro)

Fotografía: Meritxell Escuert Mas ©

Lo que sigue es apenas el extracto de una larga e intensa conversación acerca de la música y la vida, del sonido y el latido. Hablamos de tiempo, beat y groove con Daniel Navarrera (Daro), el baterista de la banda SANTO MACHANGO.

Para quien se quede con ganas de leer mucho más, aquí está disponible la publicación de la entrevista íntegra.

Tiempo, beat, groove_portada

 

El TIEMPO, BEAT & GROOVE de Daniel Navarrera   Por Tana Sanz

Para empezar esta conversación acerca de la vida y de tu pasión, la música, quiero hacerlo con un pensamiento de la brillante y tenaz Hellen Keller.  Ella dijo una vez que “Las mejores y más bellas cosas en el mundo no pueden ser vistas ni tocadas. Deben ser sentidas con el corazón”.

No sé, no estoy tan seguro, no me atrevería a decir tanto, porque hay cosas que ves y que son preciosas, con las que vibras y se te ponen los pelos de punta… pero sí, tengo muy claro que la música es algo que tiene ciertas características que la hacen muy especial, como ese tipo de cosas de las que hablas, que no se tocan ni se ven, que son intangibles y solo pueden ser sentidas. La música tiene la dimensión del tiempo, cuando la pieza se acaba se acabó, no puedes repetir el instante, un segundo es un segundo y ya pasó. Es lo que la hace única, intangible, a diferencia de otro tipo de arte.

Es un poco esa capacidad que tiene la música de evocar, de trasladarte en el tiempo y en el espacio, a veces escuchas una melodía, un acorde y de repente te viene un recuerdo, incluso con escenografía incorporada y puedes hasta percibir el aroma.

Sí, totalmente. Es lo que me pasa ahora cuando escucho las canciones de cuando tenía 13 años, que siento como si tuviera 13 años. Seguro que si las escuchase ahora por primera vez no me dirían nada pero las escucho y me acuerdo de lo que sentía cuando era niño y me encanta. Esa música te acompaña siempre y por el resto de tu vida. A mucha gente le gusta la música vieja por eso, y probablemente ninguna otra música será capaz de quitarle el puesto a esa música, porque está relacionada con un momento muy importante de sus vidas. Por ejemplo cuando eres adolescente te estás encontrando a ti mismo, estás buscando un camino, y la música que escuchas entonces ya define mucho quien eres tú.

Una vez leí una entrevista a un baterista muy famoso, Marvin Smith, en la que decía: “mi padre solo consideraba que había dos tipos de música en el mundo: la buena y la mala”. Y tiene razón, porque dentro de la música buena el género da lo mismo, porque tiene fondo, y sobre todo porque es música que es auténtica. La autenticidad define la calidad.

¿Y de dónde parte esa autenticidad?

Parte del compositor, del autor. Bueno, normalmente la música que yo escucho quien la toca es quien la compone. La riqueza y la calidad parten de cuánto te involucras a la hora de escribir la canción, de cuánto pones de ti mismo, cuántas emociones propias tuyas y de nadie más están ahí, y también que no estás buscando ni intentando complacer a nadie, ni que tu sonido sea mejor que el de otro, ni salir en las revistas, ni ser famoso, ni vender discos, simplemente quieres expresarte lo más amplia y libremente posible. De ahí nace la riqueza de la música, de la honestidad que le pones a todas las cosas que haces.

¿Cómo te defines como artista? Dime una palabra con la que te identifiques como artista.

Apasionado, desprendido es lo que más se me ajusta. No me gusta etiquetar las cosas que hago, ni ligarme a ninguna escuela, a ninguna intención. Me gusta sorprenderme a mí mismo. En general lo que intento es no apegarme demasiado a mí mismo, a lo que he hecho anteriormente, sino estar pensando exactamente en cada momento. No soy de los que se aprenden una canción nota por nota para tocarla igual todas las noches, no puedo. Practico las canciones, eso sí, pero practico otras cosas, darles un buen feel, las transiciones entre parte y parte, trabajarlas, para que estén muy claras. Pero no tengo las notas súper calculadas, siempre dejo un espacio para lo que me surja en el momento.

Háblame de tu batería ¿Para ti es un único instrumento o son muchos?

La batería es un instrumento impresionante. Es una sola voz. Solo hay una mente que está manejando y al mando de todos los instrumentos, y eso es lo que me encanta.

¿De dónde viene tu pasión por la batería?

Cuando era niño me gustaba jugar a las naves espaciales. Me encantaba estar en un sitio encerrado y lleno de controles. Tenía una caja de cartón donde yo cabía perfectamente, cogí un marcador y le pinté botones, controles, botón de láser, velocidad de la luz, destructores, medidores de esto y de aquello. Como una misión de Star Wars. Me encantaba estar allí, súper apretado y rodeado de controles, y manejándolo todo yo solito. En la batería es la misma sensación. Pero de eso me di cuenta después. Ya no estaba en la caja de cartón con botones y rayos láser, ahora eran platillos y tambores, ahora estaba al mando de toda una consola de instrumentos y todos los tocaba yo solo. Y con eso además estaba haciendo que otra gente tocara encima.

Fotografía: Iris Olivé Taché ©

Porque la batería es la locomotora, el motor de una banda.

Es justo eso, la locomotora, esa palabra se ajusta como un guante. La base de toda la banda es la batería. Cuando vas a grabar a un estudio lo primero que grabas es la batería, es la base de todo, sobre la batería se ponen todos los demás instrumentos. Normalmente, en un contexto de música pop, rock, más contemporánea, lo primero que se graba es la batería. Y cuánto más potente sea la locomotora más carga podrá llevar. Si eres una locomotora potente de 200.000 caballos de carbón y gasolina y rayos gamma, pues serás capaz de cargar encima de ti músicos brutales.

Y a eso aspiras.

¡Claro! Aspiro a ser un buen baterista, a tocar con músicos muy potentes y muy buenos y que se sientan a gusto tocando conmigo, que estando conmigo ellos también puedan sacar lo mejor de sí.

Sentirse parte de un verdadero equipo.

Exacto. Cada uno cumple su función y lo importante es lo que escucha el público y lo que sientes tu al tocar. En una banda dependemos mucho los unos de los otros, necesitamos trabajar en equipo.

¿Con qué materia trabajas tu? ¿Cuál es la materia de tu música?

La materia de mi música es mi emoción. Y mi emoción cuando toco la batería pasa por una especie de comunión con el universo, y con mis compañeros del grupo también, pero sobre todo con el universo, porque la batería es ritmo, es tambores, es frecuencia, es tribal, es tierra, pero también es aire, porque están los platillos… Para mí los platillos son el aire pero también son el juego. Los tambores son la parte seria, digamos.

Hay un componente de juego en tu trabajo.

Absolutamente. Es lo que te decía al principio, que no puedo tocar las canciones nunca iguales. Me aburriría si las tocara siempre iguales, nota por nota. Yo creo que si lo consiguiese alcanzaría un nivel más alto, porque de tanto ensayar una cosa mil veces llegaría a tocarlo perfecto y nunca me equivocaría, pero no me interesa eso. Prefiero jugar con el error y correr el riesgo de equivocarme y de fallar que caer en la monotonía de tocar siempre igual, por más que suene más pulido y más perfecto. No me interesa la perfección, lo que me interesa es la emoción.

Daro, en pocas palabras, dime qué es lo que tú haces cuando tocas.

Yo creo que lo que hago es sincronizar el universo con las personas, incluyéndome a mí. Es lo que intento hacer. Cuando digo “universo” me refiero al universo en el plano temporal. El ritmo es tiempo, es eso, es pulso, entre nota y nota hay cierta respiración, y eso es lo que hago: armonizar tiempo, mi pulso, con el pulso del universo, con el pulso de los otros chicos con los que toco.

Hablas del tiempo siempre ¿te das cuenta?

Sí, porque la esencia de la vida es esa, como sientes el tiempo y cuánto lo disfrutas. Ahí es donde está la felicidad yo creo, en el tiempo. Por eso la batería me gusta tanto, porque es un instrumento relacionado directamente con el tiempo. Entre nota y nota hay un tiempo, y esa nota vuelve a repetirse con periodicidad. Hay instrumentos a los que no les pasa tanto eso, una flauta travesera, por ejemplo, no puedes percibir tan fácilmente el tiempo entre nota y nota porque es más elástico, más curvilíneo, pero la batería tiene el péndulo, el tiempo que viaja de un lado a otro es igual, la batería tiene eso, tiene el pulso, el golpe es más marcado. Por eso me gusta tanto, porque hay una relación directa con el entorno, una sincronía con el universo. Somos tiempo, estamos hechos de tiempo, somos células no son iguales ahora a cuando nacimos, nuestras vivencias es lo que somos, lo que construyes de ti mismo a través del tiempo es lo que eres tú. Y lo bueno del tiempo es que es infinito.

Entonces debes de reírte de la típica frase “no tengo tiempo”

Sí, pero yo la digo todo el rato también. A veces tienes tiempo para todo y veces no tienes tiempo para nada. A veces haces mil cosas y te sobra el tiempo y otra veces solo haces una y ni siquiera la acabas. Todo depende de cómo lo gestiones. Todo depende de la atención, de la relajación que le des al tiempo. Y esa relatividad a mi me encanta, y una vez más está relacionado con el BEAT.

¿Y con el groove?

Eso lo tienes o no lo tienes, no lo puedes planear. Es otra de esas áreas que es mágica. El Groove es vida, es autenticidad. Te puedes poner a tocar perfecto y preciso y descubres que suena plano, simple, sin vida. Si lo intentas forzar o provocar es un fraude. Cuando yo pienso en tocar mejor pienso en la técnica, pero cuando estoy en un concierto no pienso en la técnica, pienso en ser lo más honesto posible y libre, sincero y con confianza. El groove es vida y libertad. Es como aquella mariposa que ves y que nunca puedes atrapar pero que la quieres tener, y que viene sola cuando ella quiere. El valor de un artista, de un músico, por encima de la calidad que tiene es la unicidad que tiene, la emoción que transmite por ser sincero. La emoción sale si la dejas salir, es irracional. A veces parece que pensar y sentir fueran opuestos.  Luego está la forma, que eso también es más racional y la parte mecánica.

Vamos a hablar ahora de tu banda actual. ¿En qué grupo estás ahora?

Se llama SANTO MACHANGO. Este verano cumpliré 5 años con ellos. Es una banda con un sonido muy funk, hip-hop, pop, rock de los 90, un grupo con mucha fusión, nos sale todo, lo canario, lo chileno, lo colombiano, lo catalán…  porque está en la manera de tocar de cada uno. He estado en grupos en donde todos tocaban muy bien, pero no había tanto carisma. En SANTO MACHANGO hay mucho carisma y es una de las cosas que me gusta más de este grupo, el espíritu de juego y de compañerismo que tenemos. Subimos a tocar y subimos a jugar, a divertirnos.

Carisma y ausencia de egos.

¡Eso exactamente! Y por eso es tan especial tocar juntos. Todos somos colegas.

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¿Cuánto material editado tenéis?

Un disco, “DOPAMINA”, y una maqueta de 2007. Grabamos Dopamina en un buenísimo estudio y con un productor muy bueno. Invertimos mucho dinero en el disco y estamos muy contentos con el resultado. Tomi Pérez fue quien lo produjo.  Es un profesional con mucha experiencia y muy buen gusto.  Ha producido a La Mala Rodríguez,  Maldita Nerea  y a muchos otros.  Lo mejor de todo es que siempre nos dejó ser nosotros mismos, es más, siempre nos hizo sentir  en casa y súper cómodos.

Marc Parrot se encargó del mastering del disco e hizo un gran trabajo.  El estudio donde grabamos era el suyo, Producciones Silvestres, y estuvo pendiente en todo momento de que el trabajo fuera lo más cómodo y fluido para todos.

Hace justo unas semanas habéis editado un videoclip, “Narco” ¿Cómo surgió y cómo fue hacerlo? No sé si sois conscientes, pero sacar un videoclip en estos momentos tan complicados es casi un milagro. Además de músicos, emprendedores. Chicos, ¡hay que felicitaros!

Hacía tiempo queríamos hacer un videoclip.  Ya habíamos tanteado algunos realizadores pero sólo cuando apareció Lonan García de BCN Freestyle Films supimos que era el momento de dar luz verde.  Contamos con el apoyo de Rainer Klassen, quien es nuestro socio en Motherfunky Events, para la financiación y nos pusimos en la tarea.  Fueron 3 semanas de grabación y otras tres para la edición.  El resultado fue increíble.  Estamos súper felices y a la gente le ha encantado.

Éxitos y… ¡que siga la fiesta!

 

 


Hoy, hace un año, un trapecio de tinta alzó el vuelo

“Como no sabían que era imposible, lo hicieron”

Anónimo.

¡Cómo pasa el tiempo!

Hoy cumplimos un año volando, saltando, haciendo piruetas y malabares en la barra de un trapecio, ¡¡¡un trapecio de tinta!!! ¡Más difícil imposible!

Desde esta ventana desde la que me asomo al mundo, GRACIAS a todos los colaboradores y seguidores de este espacio, por acompañarme y responder siempre a mis lanzamientos de guantes, a mis desafíos y retos. ¡¡¡GRACIAS por volar conmigo en la red!!!

Celebrémoslo juntos, vamos, ¡dadle al play!

 

Tarjeta_Felicitación_1añoBLOG


Conversación con la artista irlandesa Emily McCullagh: Cuando la naturaleza revela un secreto al artista

La buena poesía hace que el universo revele un secreto

Hafiz

Un círculo agreste, un espacio vacío en el que yace tumbada una mujer, y la naturaleza alrededor. Solamente eso.

ozone


Título de la obra: Ozone
Autora: Emily McCullagh

Esta imagen me pareció sencillamente sublime, poética. En el descanso, en ese espacio vacío, en el silencio se gesta todo, así es como nace el arte, del vacío.

Arte y naturaleza, vacío y creación. Estos conceptos vinieron a mi mente con insistencia cuando una amiga me envió esta foto de “Ozone”como se llama esta obra de la artista irlandesa Emily McCullagh.

No es mi intención hablar ahora y aquí sobre la significación del “vacío” en las obras de arte, hacerlo resultaría poco menos que pretencioso. Pero no puedo evitar que me atraiga el concepto, que me provoque mil preguntas. El vacío está presente también en las manifestaciones artísticas inmateriales, como la música. ¿Qué es sino el espacio entre dos notas?…

Pensé cuánto me gustaría que la propia Emily me explicase qué es para ella el vacío y la creación.

Gracias a la colaboración de mi amiga Ángeles Martínez esta conversación con la artista Emily McCullagh ha sido posible, ella consiguió contactar con Emily y obtuvo las respuestas a mis preguntas.

¡Gracias, Ángeles, por aceptar ejercer de intermediaria y de periodista en la distancia!

COMO COLOFÓN A LA SEMANA DE LA CREATIVIDAD 2013:

CONVERSACIÓN CON EMILY McCULLAGH, UNA ARTISTA PLÁSTICA Y ESCULTÓRICA QUE DESARROLLA PARTE DE SU TRABAJO ARTÍSTICO EN EL CAMPO DEL ARTE COMUNITARIO, LA ARTETERAPIA Y LA INCLUSIÓN SOCIAL

Unimos treinta radios y lo llamamos rueda;

pero es en el espacio vacío donde reside la

utilidad de la rueda.

Moldeamos arcilla para hacer un jarro;

pero es en el espacio vacío

donde reside la utilidad del jarro.

Abrimos puertas y ventanas cuando construimos una casa;

son estos espacios vacíos

los que permiten utilizar la casa.

Por lo tanto, igual que aprovechamos lo que es,

deberíamos reconocer la utilidad de lo que no es. 

(Lao-tse, Tao Te Ching, XI)

Del libro de Luis RacioneroTextos de estética taoísta (Alianza Ed.)

Emily, ¿qué es para ti la creación?

A nivel personal la creación para mí es dejar que la vida se geste y se respire por mi cuerpo, la respuesta a todo lo que uno es y sueña con ser, la forma de conectar con todos los niveles de existencia que se perciben a través de nuestra antena por lo intangible.

Ser y no ser, realidad e ilusión. Pintar el espacio es pintar el vacío. ¿De dónde surge esta obra de arte, Ozone, este círculo en mitad de la naturaleza? Se me antoja una experiencia estética en toda regla.

La realidad no tiene consenso y no hay una opinión única sobre lo que es real y lo que no lo es. Ya lo dijo Albert Einstein: “ Quien quiera erigirse como juez en el campo de la verdad y el conocimiento naufragará ante la risa de los dioses.”

Encuentro inspiración en el poeta y místico del siglo XIII Rumi, quién escribió líricamente sobre su amor por el vacío. Sus palabras todavía resuenan como verdades para mí en este momento, en el tercer milenio.

La obra Ozone salió del sitio donde nos encontrábamos, en un bosque cerca de Plymouth, al sur de Inglaterra.  Siempre conecto con lo ajeno cuando estoy en medio de la naturaleza. Parte de la visión del mundo celta es que uno puede caer en manos de las hadas (fairies) durante un paseo, a veces sin ni siquiera darse cuenta. Capas de realidades coexisten simultáneamente y todo está impregnado de lo etéreo. Quise construir un umbral en el camino que a modo de portal permitiese el paso a otras realidades.

¿Con qué materiales trabajas?

Soy un trotamundos incurable y a través de los años he experimentado con madera, vidrio, cerámicas, pinturas al oleo, acuarelas. Mi última fascinación es por la textura de los pasteles al oleo y del fieltro.

Dicen que para los músicos el mundo es esencialmente sonido y a través de sus obras nosotros no lo palpamos ni lo vemos, pero lo sentimos. Me pregunto  ¿qué es el mundo para tí? ¿Cómo lo ves? ¿De qué se compone? 

El mundo está lleno de las texturas de nuestros sueños y de la magnificencia de un espacio lleno de la mayor sinfonía que uno pueda concebir, repleta de sonido, espacio, color, tacto, energía y movimiento.  Dentro de cada átomo hay un 99% de vacío, por lo que de alguna manera lo que está por debajo de todo es silencio.

Al ver tus obras se me ocurre que la materia, lo orgánico, el tacto está muy presente. Percibo que tu arte no es un arte visual. ¿Tal vez por eso trabajas con discapacitados visuales? Háblame de tus talleres artísticos con estos grupos de reducida visión.  

Trabajar con discapacitados visuales fue todo un honor y una inspiración. Poder participar en su sentido táctil fue maravilloso, una educación para ver el mundo desde su perspectiva y entender los desafíos a los que tienen que enfrentarse día a día. El grupo no presentaba ceguera total por lo que su percepción de la realidad era más empañada y menos enfocada que la nuestra. Los colores eran importantes como puntos de referencia y de simplicidad. Trabajar con madera conlleva una meditación y una calma y el grupo me ayudó a desarrollar el sentido de lo que significa guiarte por el tacto para saber en qué momento una pieza está terminada, en vez de usar la vista.

EPÍLOGO:

En la línea de sus trabajos artísticos comunitarios, que implican la mejora social y la participación del público en la obra, y motivada por la posibilidad de usar el arte como terapia, Emily McCullagh trabaja actualmente en instituciones mentales en Dublín (a través de la disciplina de la arteterapia) con personas que tienen una enfermedad mental diagnosticada como la depresión o esquizofrenia. Su trabajo se desarrolla como un proceso y permite una introspección positiva para el paciente en un estado de calma y de tranquilidad gracias a la exploración artística que no tiene más finalidad que el reconfortar e involucrar a la persona, sin buscar cualidades estéticas ni emitir juicios de valor sobre el aspecto final de la obra.

Al mismo tiempo, Emily sigue estudiando sobre Arte y Psicoterapia en la Universidad.

Puedes encontrar a Emily McCullagh en su página web:

http://emilymccullaghart.wix.com/emilymccullagh


Pensamientos robados

En mis paseos por las librerías acostumbro a robar frases, incluso a veces algún poema.

Mi último hurto fueron cinco citas:

– “Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta” Orson Welles

– “El cine para mi es un arte de la prosa. Definitivamente, se trata de filmar la belleza pero sin que se note, sin que se note para nada” François Truffaut

–  “Una película es un equilibrio continuo entre la literatura y la música. Se debe constantemente renunciar a las leyes psicológicas por las leyes musicales” François Truffaut

“El arte nos atrae solamente cuando revela en nosotros secretos” Jean Luc Godard

– “El cine no es un arte que filma vida, el cine está entre el arte y la vida” Jean Luc Godard

De camino a casa me hicieron pensar en una película y en un poema que sentí recitar un día en voz alta a su autor, Juan Vico.

In the mood for love

Alzo la vista de repente, reclamado
por el más minúsculo de tus gestos,
las yemas rozando el cuello bajo la nuca,
persiguiendo el dibujo de algún lunar

mientras la noche va desollando los muros
y la obviedad se filtra por las costuras
de nuestro frágil simulacro,
y tú y yo a solas, por fin, fingimos no conocernos,

desnudando la mirada, con la voz de puntillas,
jugando a hacer chocar nuestras memorias, desafiantes,
quizás a punto de besarnos como extraños,
de tocarnos con temor, reverenciosos,

como el que palpa secretamente un amuleto,
reencontrando con alivio su relieve:
grumos de luz incrustándose en los dedos,
tanta suerte, tanta muerte en los bolsillos.

Still Life, Juan Vico (2011, Servei de Publicacions de la UAB).

Poema inspirado en la película del mismo título, In the mood for love

Nota para Juan Vico: Fue un placer escuchar lecturas en voz alta y conocer ese maravilloso espacio que es Laboratorio de Escritura (C/ Joan Blanques, 12, Barcelona).

Nota para Isabela MéndezGracias por invitarme a acompañarte a celebrar en ese lugar el Día Mundial de la Poesía.


Historia de un proyecto nacido de un tintero y de un trapecio de tinta

En Barcelona, hará ahora algo más de un año…

Hubo una vez un tintero de cuyo vientre salía una tinta con la que se hilaban vocablos y versos que en ocasiones se transformaban en hermosos cantos. Esa tinta era líquida y convivía con la digital.

Sucedió que un día se cruzó en su camino un trapecio, para asombro del tintero, hecho de tinta.

Con sorpresa y alegría ambos vieron que compartían la misma materia e idéntico propósito: que las palabras e imágenes hechas de tinta volasen para esparcir la poesía y el pensamiento por doquier y que, tal vez, quedasen impregnados bajo la piel.

Y sin más, decidieron ponerse manos a la obra y ensayar giros y piruetas para sorprender y estimular al personal.

Hoy ese propósito inicial del tintero y el trapecio de tinta empieza a ser realidad: la tinta, desde hoy, es ¡manjar digital!

APERITIVOS_DE_TINTA_PORTADA

 

APERITIVOS DE TINTA es la primera recopilación de textos y dibujos de Isabela Méndez, editados por TRAPEZIdeTANA. Y como toda gran celebración y acto inaugural que se precie, aquí está el brindis: unas palabras de su autora, Isabela Méndez:

Todos alguna vez hemos mojado el dedo en tinta para dejar nuestra huella, hemos sentido el placer de ser únicos al ver ese pequeño mapa que dibuja nuestro dedo en la hoja.  

Ahora mi vestigio de tinta encontrará otros significados en vuestras miradas, y vosotros sumaréis vuestra manera de sentir, componiendo paisajes irrepetibles y personales, creando nuevas huellas. 

Este es el primer paso de un viaje que junto a mi editora Cayetana Sanz, que ha aportado su buen hacer y cariño, y a vuestra compañía, esperamos sea largo e intenso. 

En este libro hemos recopilado textos breves y dibujos, y utilizamos como puente las redes y el mundo digital. ¡Que viva la tinta líquida y la virtual! 

Ayúdanos a que las ganas de degustar la tinta se contagien y mucha más gente desee probar estos aperitivos.

Esperamos vuestras impresiones y comentarios.

¡Gracias por compartir!


Prosa diminuta, cuentos breves y pinceladas de Isabela Méndez

aperitivos de tinta_portada

Open book

Un 9 de mayo de 2012 este blog cogió impulso y alzó el vuelo por vez primera. Hoy, casi 7 meses después, desde este trapecio de tinta se publica y lanza la primera recopilación de textos y dibujos de Isabela Méndez.

Como sucede con los números de circo más arriesgados, hay mucho en juego: talento, horas de trabajo, ilusiones y sobre todo ganas de compartir con el público y de sentirlo cerca.

Hoy cumplo uno de los objetivos que me planteé al comenzar a escribir este blog: publicar a Isabela Méndez.

Gracias a todos los seguidores de este pequeño espacio en movimiento, en el que el arte y el pensamiento se dan la mano para dibujar piruetas y giros inesperados.

A todos vosotros va dedicado este primer número de los “APERITIVOS DE TINTA” de Isabela Méndez.


Una Cenicienta funk

Hay relatos que son concebidos para romper paradigmas, para pellizcar al lector y sacar a la luz tramas ocultas. Relatos en los que palpita un ritmo interno en sintonía con el universo.

Así es el cuento que aquí se presenta: sustentado en la música, la cadencia y el sentimiento, y en el que danza una princesa con todo su atrevimiento.

Una versión que apela a lo auténtico, a lo terrenal, a ser honesto, a bailar y vivir, protagonizada por una princesa que lleva puro groove en el cuerpo: conectada con el presente, genuina y que hipnotiza con su naturalidad y sensualidad al príncipe y a todos cuando la ven.

Una princesa que siente la música con todo su ser.

LA HISTORIA de LA CENICIENTA,  según el hada nos cuenta

Por Isabela Méndez


Título del dibujo: Mirando al príncipe
Pincelada de Isabela Méndez (Técnica mixta) ©

Acudió en su calabaza
al baile La Cenicienta,
y al rato estaba danzando,
con salero y con pimienta.

Su gracia era deslumbrante,
su ritmo, salvaje, ardiente,
y así se hizo codiciada
por todos los asistentes.

Casi cayó fulminado,
al ver aquello, su alteza,
y le propuso a la chica
bailar la siguiente pieza.

Meneaba ella las caderas,
con garbo y fogoso afán,
mientras contemplaba absorto
el nobiliario galán.

En medio de las miradas,
casi todas muy perplejas,
el príncipe se acercó
a susurrarle en la oreja.

Deseaba confesar
desde su gran corazón,
un secreto, a la muchacha
que utilizaba tacón.

Esto dijo musitando:
me gustas dama exquisita
tienes ojos como cielos
y una rosa en tu boquita,

en caso de yo agradarte,
dame una buena señal,
como dejar en palacio,
un zapato de cristal.

Si yo te encuentro después
de mi amor serás la dueña
y podrás usar chancletas,
bailarinas o espardeñas,

porque soy de los que creen
que hemos de cuidar los pies,
y veo que muchas damas
les hacen pasar estrés.

Según fuentes de fiar,
pues nos lo ha contado un hada,
La Cenicienta escuchó y
se dejó de pendejadas.

Esa noche, hecha la loca,
abandonó su zapato,
y marchó hacia su morada,
confiando en el dulce trato.

Dicen que el príncipe fue
con zapato y sin lacayo,
probando de casa en casa,
descubriendo más de un callo,

hasta que al fin encontró
a la ansiada señorita,
que estaba usando alpargatas
con las que lucía bonita.

Y colorín colorada
se puso la damisela,
cuando el príncipe galante
le dio un beso de novela.

Y tras el beso, su alteza,
se puso color carmín
pues ella le saltó encima
para iniciar el festín.

Nota informativa:

Dicen que el carruaje de La Cenicienta era una lindísima calabaza: rápida, ecológica y descapotable, todo un super coche, tipo monoplaza.

CONTINUARÁ…

 


Las manchas de un lienzo llamado piel

¿Por qué no nos miramos de otro modo, empezando por nuestra piel?

La poesía de Isabela Méndez redimensiona lo cotidiano, acaso también lo que pudiera parecer simplemente trivial. En todo caso, siempre apuesta por lo que trasciende a los sentidos, pero sin olvidarse nunca de ellos.

¿Pensaste acaso alguna vez en tu cuerpo como un lienzo, en el que tu color es tu pigmento y donde algún pintor dejó olvidados pequeños rastros de tinta en él?

Este twitt ilustrado de Isabela Méndez te invita a redescubrir qué esconden las motas de tinta que tiene tu piel.

Twitt ilustrado: Puntos de vista
Palabra y pincelada de Isabela Méndez
@mendezisabela


Tejedora de atmósferas

¿De dónde nace la idea de un relato? ¿De dónde arranca el primer trazo de un dibujo? ¿De dónde brincan las letras de un texto? ¿De dónde…?

Todas esas, y muchas más, son las preguntas que lanzo a Isabela cada vez que nos reunimos juntas a trabajar. Y es que esas y otras cuestiones similares permanecen en el silencio de mi curiosidad cuando me acerco a una obra literaria o artística suya.  ¿De dónde saca a sus personajes? ¿A partir de qué dibuja el aire que se respira en sus obras? ¿Cómo hila los detalles de sus cuentos?…

Ella simplemente me mira y me dice: “Tana, creo que si me tocara elegir una frase para hablar de lo que actualmente hago como artista, diría que soy “una tejedora de atmósferas” y que busco en el lapso de tiempo compartido con quienes me escuchan o leen el arte que hago* que nuestra respiración y latidos se acompasen y abran nuevos caminos”.

Haceros un regalo, sumergíos en el aroma y la atmósfera de este poema que remite a lo orgánico, a los sentidos!

CAMINO DE VUELTA

Si no fuera por el olfato
¿qué rutas ciertas nos quedarían?
¿qué sería real sin el perfume?
sin esos mundos flotantes que nos guardan en su vientre.

Huellas que nos muestran el camino de vuelta a:
las manos de la abuela, su armario lleno de collares, sus pañuelos escurriendo viajes,
el cabello del abuelo blanco no por su color, si no por el paso del tiempo que es blanco aún sin verlo.
La vianda llena de delicias o aburrimientos,
los pupitres de madera,
los miedos y sus huesos de animal muerto,
la curiosidad entre las páginas de un libro,
el primer beso y sus venas de fuego,
la primera vez que los senos fueron playas por ser el destino de otro aliento,
la lluvia sembrada en la tierra …

Todo es olor,
todo es puente transparente.

Título del dibujo: MUNDOS AÉREOS
Técnica sobre papel
Título del poema: CAMINO DE VUELTA
Palabra y pincelada de ISABELA MÉNDEZ © ®

*Por cierto: Isabela Méndez es escritora, actriz y cantante.